6 termos alemães usados em arte que você precisa saber!

Imagem: Museu Pergamon.
É um dos museus da Ilha dos Museus, em Berlim. O seu projeto foi desenhado por Alfred Messel e Ludwig Hoffmen, que se inspiraram no Altar de Pérgamo para o planear.

Há um ditado entre os egiptólogos que o antigo Egito teve cinco principais dialetos, e alemão é o sexto. Estudiosos, os alemães têm desempenhado um papel desproporcional no campo da história da arte desde o seu advento, no século 18, levando muitas descobertas de antiguidades e contribuindo com textos fundamentais para a disciplina. A língua alemã é famosa pelos substantivos compostos propícios e não é nenhuma surpresa que, ao propor novas ideias, os historiadores de arte alemães também propuseram neologismos para encapsulá-los.

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Durante a Segunda Guerra Mundial, muitos desses estudiosos emigraram para os Estados Unidos, levando suas tradições intelectuais com eles e cimentando algumas dessas idéias no cânon da história da arte. Abaixo, do mais comum ao mais obscuro, escolhi sete termos alemães que moldaram os modos de como falamos – e compreendemos a arte.

Wunderkammer
Wunder (maravilha, curiosidade) + kammer (câmara, cabine t)
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Johann Georg Hainz, Gabinete de Curiosidades, 1666 | Imagem via Wikimedia Commons.

O”gabinete de curiosidades” surgiu como um proto-museu no século 16, como realeza europeia foram expostos a descobertas exóticas através da exploração naval e investigação científica. Essas coleções compreendiam dois tipos de objetos – naturalia, ou espécimes naturais, e artificialia, objetos feitos por humanos (“cultura material” na linguagem de hoje). Apesar de sua natureza irregular e falta geral de um princípio organizador, o ímpeto por trás dessas coleções acabaria por levar ao nascimento de museus de história natural e museus de arte. Na arte contemporânea, exemplos de obras inspiradas no wunderkammer incluem a retrospectiva de 2013 de Rosemarie Trockel no New Museum de Nova York, para a qual o artista reuniu três andares de objetos que vão da arte de fora a arte de plantas secas e esqueletos e o Musée de la Chasse Et de la Nature em Paris, que mistura provocativamente obras de arte contemporânea e as coleções do século 17 de taxidermia e objetos de arte.

 

Gesamtkunstwerk
Gesamt (total) + kunst (arte) + Werk (trabalho)
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Marta Minujin La Menesunda – archive- de 1965 | Museo de Arte Moderno de Buenos Aires

Que significa “obra de arte total”, este termo está intimamente associado com o compositor do século XIX Richard Wagner, cujas elaboradas óperas estabelecem um novo padrão para o desempenho épico (seu relógio “Ring” acelera em 15 horas). Wagner pretendia que suas performances sintetizassem completamente diferentes formas de arte – música e drama – em um todo maior que a vida. As idéias de Wagner caíram em descrédito devido à sua associação com o nazismo (ele era um dos compositores favoritos de Hitler), mas hoje, o Gesamtkunstwerk é um termo menos carregado politicamente para descrever obras de arte que unem formas de arte diferentes, resultando muitas vezes em experiências imersivas. Uma das primeiras formas de encarnação dessa idéia foi o estilo Art Nouveau do século XX, que fundiu design de interiores, móveis e arte. As instalações multimídia tão onipresentes na arte contemporânea – como as escandalosas instalações de Marta Minujin – são, sem dúvida, devedoras da idéia do gesamtkunstwerk.

 

Gestalt
(formato)
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Demonstração de reificação na percepção de Lehar S. (2003). | O mundo em sua cabeça, Lawrence Erlbaum, Mahwah, NJ | Imagem via Wikimedia Commons.

Mais conhecido para falantes de inglês de psicologia da Gestalt, Gestaltvagamente se traduz como “forma”. Teoria da Gestalt emergiu entre um número de psicólogos e filósofos alemães, incluindo Max Wertheimer e Edmund Husserl, no início do século 20, para descrever a cognição humana.
Suas contribuições mais duradouras foram no campo da percepção visual, explicando os fenômenos visuais que fundamentam ilusões ópticas modelos -alguns dos quais já foram validados pela neurociência. Princípios da teoria da Gestalt ter encontrado o seu caminho para os fundamentos do design gráfico graças ao psicólogo alemão Rudolf Arnheim, cujo livro de 1954  Arte e Percepção Visual: A Psicologia do olhar criativo  é agora um texto canônico para brotação historiadores de arte e designers.

 

Kunstwollen
kunst (arte) + wollen (será)
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Plat au paon (Placa com pavão), do século 16 Musée du Louvre

 

Quando o edifício da Secessão de Viena – uma plataforma anti-establishment para artistas progressistas – abriu suas portas ao público em 1897, proclamou seu ethos de orientação em uma inscrição dourada acima da entrada: “A cada idade, sua arte, a sua liberdade”. A idéia original de um reino livre e autônomo para a arte lembra o conceito de Kunstwollen do historiador austríaco de arte Alois Riegl. Muitas vezes traduzido como uma “vontade de arte”, o termo basicamente significa o zeitgeist – outro grande termo alemão – de arte. Em seu tratado de 1893, Riegel introduziu o termo, mas não conseguiu defini-lo, deixando seu verdadeiro significado jogo justo para incontáveis gerações de estudantes de pós-graduação história da arte para expor. A maioria parece concordar que Riegl entendeu o Kunstwollen como a expressão artística de algum espírito fundamental de uma época, como a tendência para curvas arabescas na arte islâmica.

 

Einfühlung
(empatia)
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Franz Marc The Large Blue Horses, 1911 Walker Art Center, Minneapolis

Enquanto Einfühlung é bastante fácil de traduzir para o inglês, o alemão é muito mais evocativo (literalmente, “sentimento em” ou “enfeeling”), um fato que Wilhelm Worringer confiou para a carne para fora suas idéias sobre arte abstrata em sua tese de doutor influente de 1907 , “Abstraktion und Einfuhlung” (“abstração e empatia”). Como a arte abstrata ainda era radical, vista por muitos como uma aberração, Worringer pretendia fornecer justificação teórica para essa nova arte. Escrevendo sobre o movimento Expressionismo em ascensão, Worringer argumentou que a arte, seja ela figurativa ou abstrata, era em essência uma expressão do eu, cujo objetivo era evocar a empatia no espectador.

 

Engram
[Não traduzível]
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Alessandro Filipepi, called Sandro Botticelli | The Birth of Venus, ca. 1486 | Uffizi Gallery, Florence

Cunhado pelo psicólogo Richard Semon no início do século 20, o “engrama” foi traduzido para o contexto artístico pelo historiador cultural alemão Aby Warburg. Semon estava interessado em como as memórias se formam no cérebro, e os engramas eram essencialmente sua explicação para a maneira pela qual os vestígios de memória ficavam fisicamente codificados. Warburg, mais conhecido por seu maciço e inacabado projeto de atlas de imagens chamado Mnemosyne, bem como a biblioteca e instituto de arte que levam seu nome em Londres, expandiu o conceito de Semon de memória individual para a memória coletiva. Os engramas tornaram-se assim um tipo de repositório visual para a psicologia de um tempo, como um símbolo visual ou obra de arte. Embora as idéias de Warburg permaneçam inescrutáveis de muitas maneiras, em parte porque ele nunca terminou seu projeto, ele é muitas vezes considerado o primeiro praticante de “estudos visuais” – um campo fundado na idéia de que todos os aspectos da cultura visual, não apenas a arte “alta” , Contêm insights importantes em um lugar e tempo.   -Jessica Backus

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Joy de Paula109 Posts

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