Yayoi Kusama, a esquizofrenia e a arte

Yayoi Kusama é uma artista contemporânea japonesa que trabalha principalmente com escultura e instalação, mas que também é ativa na pintura, performance, cinema, moda, poesia, ficção e outras artes. Seu trabalho é baseado em arte conceitual e mostra alguns atributos do feminismo, minimalismo, surrealismo, Art Brut, Pop Art e expressionismo abstrato, e é infundido com conteúdo autobiográfico, psicológico e sexual. Atualmente carrega o reconhecimento de ser uma das mais importantes artistas vivas do Japão.

Criada em Matsumoto, Kusama estudou na Escola de Artes e Ofícios de Kyoto em um estilo tradicional de pintura japonesa chamado Nihonga. Kusama foi inspirada, no entanto, pelo American Abstract Impressionism. Ela se mudou para Nova York em 1958 e fez parte da cena de vanguarda de Nova York ao longo dos anos 1960, especialmente no movimento Pop Art. Abraçando a ascensão da contracultura hippie do final dos anos 1960, ela chamou a atenção do público quando organizou uma série de acontecimentos em que participantes nus foram pintados com bolinhas coloridas.

studio happening

Originária de uma família de comerciantes que possuíam um viveiro de plantas e uma fazenda de sementes, Kusama iniciou -se a criar arte ainda jovem e começou a escrever poesia um pouco mais tarde, aos 18 anos. Quando ela tinha dez anos de idade, começou a experimentar alucinações vívidas que ela mesma descreveu como “flashes de luz, auras ou densos campos de pontos”. Essas alucinações também incluíam flores que falavam e padrões de tecido que ela encarava para ganhar vida, multiplicando-a e encaminhando-a ou expondo-a, um processo que ela levou para sua carreira artística e que ela chama de “auto- obliteração “. Segundo conta, ela teria ficado fascinada com as pedras brancas e macias que cobriam o leito do rio perto da casa de sua família, o que a influenciou para o sêmen da sua fixação por pontos.

Quando Kusama tinha 13 anos, ela foi enviada para trabalhar em uma fábrica militar onde foi encarregada de costurar e fabricar pára-quedas para o exército japonês. Ao expor sobre o tempo em que trabalhou na fábrica, ela diz que passou sua adolescência “na escuridão fechada”, embora pudesse sempre ouvir os alertas do ataque aéreo explodindo e ver os americanos B-29 sobrevoando a cabeça em plena luz do dia. Sua infância foi muito influenciada pelos eventos da guerra, e ela afirma que foi durante esse período que ela começou a valorizar as noções de liberdade pessoal e criativa.


Os vastos campos de bolinhas, ou “redes de infinito”, como ela mesma os chamava, eram tirados diretamente de suas alucinações. O trabalho mais antigo gravado em que ela incorporou estes pontos foi um desenho em 1939, aos 10 anos, em que a imagem de uma mulher japonesa em um quimono, presume-se ser mãe do artista, é coberta e obliterada por manchas.
Sua primeira série de telas em larga escala, às vezes com mais de 30 pés de comprimento, Infinity Nets, foram inteiramente cobertas por uma sequência de redes e pontos que faziam alusão às suas visões alucinatórias.


Depois de morar em Tóquio e na França, Kusama deixou o Japão aos 27 anos e foi para os Estados Unidos. Ela afirmou que começou a considerar a sociedade japonesa “muito pequena, muito servil, muito feudalista e desdenhosa demais com as mulheres” . Em 1957, ela se mudou para Seattle, onde teve uma exposição de pinturas na Galeria Zoe Dusanne. Ela permaneceu lá por um ano antes de ir para Nova York, após correspondência com Georgia O’Keeffe, na qual ela demonstrou interesse em se juntar aos holofotes da cidade.
Durante seu tempo nos EUA, ela rapidamente estabeleceu sua reputação como líder no movimento de vanguarda e recebeu elogios por seu trabalho do crítico de arte anarquista Herbert Read. Em 1961 ela mudou seu estúdio para o mesmo prédio de Donald Judd e a escultora Eva Hesse.
No início dos anos 1960, Kusama começou a cobrir itens como escadas, sapatos e cadeiras com saliências fálicas brancas. Apesar da complexidade microgerenciada dos desenhos, ela os tornou mais rápidos e volumosos, estabelecendo um ritmo de produtividade que ela ainda mantém. Ela também estabeleceu outros hábitos, como se tivesse fotografado rotineiramente com um novo trabalho e regularmente aparecendo em público usando suas assinaturas de perucas de anime e formas coloridas e vanguardistas.


Na década de 1960, Kusama organizou acontecimentos extravagantes em lugares notáveis ​​como o Central Park e a Brooklyn Bridge, muitas vezes envolvendo nudez e destinados a protestar contra a Guerra do Vietnã. Em um deles, ela escreveu uma carta aberta a Richard Nixon se oferecendo para fazer sexo com ele se ele parasse a guerra do Vietnã. Entre 1967 e 1969 concentrou-se em performances realizadas com a máxima publicidade, geralmente envolvendo bolinhas de pintura em seus artistas nus, como no Grand Orgy to Awaken the Dead no MoMA (1969), que teve lugar no Sculpture Garden of the Museu de Arte Moderna. Durante o evento não anunciado, oito artistas sob a direção de Kusama removeram suas roupas, entraram nus em uma fonte e assumiram poses que imitam as esculturas próximas de Picasso, Giacometti e Maillol.

Em 1968, Kusama presidiu o acontecimento Casamento Homossexual na Igreja da Auto-obliteração em 33 Walker Street, em Nova York e se apresentou ao lado de Fleetwood Mac e Country Joe e o Peixe no Fillmore East, em Nova York. Ela abriu estúdios de pintura nus e um clube social gay chamado Kompany Omphile Kompany (kok) de Kusama.


Em 1966, Kusama participou pela primeira vez da Bienal de Veneza em sua 33ª edição. Sua obra Narcissus Garden compreendia centenas de esferas espelhadas ao ar livre no que ela chamava de “carpete cinético”. Assim que a peça foi instalada em um gramado do lado de fora do pavilhão italiano, Kusama, vestindo um quimono de ouro, começou a vender cada esfera individual por 1.200 libras , até que os organizadores da Bienal colocaram um fim em seu empreendimento. Narcissus Garden foi tanto sobre a promoção do artista através da mídia como foi uma oportunidade para oferecer uma crítica da mecanização e mercantilização do mercado de arte.


Em Walking Piece de Yayoi Kusama (1966), uma performance que foi documentada em uma série de dezoito slides coloridos, Kusama caminha pelas ruas de Nova York em um tradicional quimono japonês com um guarda-sol. O quimono sugere papéis tradicionais para mulheres no costume japonês, o guarda-sol, no entanto, é feito para olhar inautêntico, pois é realmente um guarda-chuva preto pintado de branco no exterior e decorado com flores falsas. Neste trabalho Kusama caminha pelas ruas desocupadas em uma missão desconhecida. Ela então se vira e chora sem razão e, eventualmente, se afasta e desaparece de vista. Este desempenho, através da associação do quimono, envolve os estereótipos que as mulheres asiáticas americanas continuam a enfrentar. No entanto, como uma artista de vanguarda que vive em Nova York, sua situação altera o contexto do vestido, criando uma fusão transcultural. Kusama foi capaz de apontar o estereótipo em que seu público americano branco a categorizava, mostrando o absurdo de categorizar culturalmente as pessoas no maior caldeirão do mundo.


Em 1968, o filme Self-Obliteration, de Kusama, o qual ela produziu e estrelou, ganhou um prêmio no IV Concurso Internacional de Cinema Experimental na Bélgica e no Segundo Festival de Cinema de Maryland e o segundo prêmio no Ann Arbor Film Festival. Em 1991, Kusama estrelou o filme Tokyo Decadence, escrito e dirigido por Ryu Murakami, e em 1993, ela colaborou com o músico britânico Peter Gabriel em uma instalação em Yokohama.

 

Em 1973, Kusama retornou ao Japão com problemas de saúde, onde começou a escrever romances, contos e poesia surpreendentemente viscerais e surrealistas. Ela se tornou uma comerciante de arte, mas seu negócio dobrou depois de vários anos e, em 1977, Kusama se internou no Hospital Seiwa para os Doentes Mentais, onde acabou por residir permanentemente. Ela mora no hospital desde então, por opção. Seu estúdio, onde ela continuou a produzir trabalhos desde meados da década de 1970, fica a uma curta distância do hospital em Shinjuku, Tóquio. Kusama é frequentemente citada dizendo: “Se não fosse pela arte, eu teria me matado há muito tempo”.

A partir desta base, ela continuou a produzir obras de arte em uma variedade de mídias, além de lançar uma carreira literária publicando vários romances, uma coleção de poesias e uma autobiografia. Seu estilo de pintura mudou para acrílicos de alta cor sobre tela, em uma escala ampliada.
Suas pinturas organicamente abstratas de uma ou duas cores (a série Infinity Nets), que ela começou ao chegar em Nova York, atraíram comparações com o trabalho de Jackson Pollock, Mark Rothko e Barnett Newman. Quando ela deixou Nova York, ela foi praticamente esquecida como artista até o final dos anos 80 e 90, quando várias retrospectivas reviveram o interesse internacional.


Após o sucesso do pavilhão japonês na Bienal de Veneza em 1993, uma deslumbrante sala espelhada cheia de pequenas esculturas de abóbora em que ela residia em trajes de mágico coordenados por cores, Kusama passou a produzir uma enorme escultura de abóbora amarela coberta com um padrão óptico de pontos negros. A abóbora passou a representar para ela uma espécie de alter ego ou auto-retrato. A instalação posterior de Kusama I’m Here, but Nothing (2000–2008) é uma sala mobiliada de forma simples, consistindo de mesa e cadeiras, talheres e garrafas, poltronas e tapetes, mas suas paredes são tatuadas com centenas de bolinhas fluorescentes brilhando no UV luz. O resultado é um espaço infinito infinito onde o eu e tudo na sala é obliterado.

 

O trabalho flutuante em várias partes Guidepost to the New Space, uma série de “corcundas” arredondadas em vermelho com bolinhas brancas, foi exibido no Lago Pandanus. Talvez um dos trabalhos mais notórios de Kusama, várias versões do Narcissus Garden foram apresentadas em locais do mundo inteiro, incluindo Le Consortium, Dijon, 2000; Kunstverein Braunschweig, 2003; como parte da Whitney Biennial no Central Park, em Nova York, em 2004; e no Jardin de Tuileries em Paris, em 2010.

Em 2010, Kusama projetou um ônibus estilo Town Sneaker, que ela chamou de Mizutama Ranbu (Dança das Bolinhas Selvagens) e cujo percurso percorre sua cidade natal, Matsumoto. Em 2011, ela foi contratada para projetar a capa de milhões de mapas de bolso do metrô de Londres; o resultado é intitulado Polka Dots Festival, em Londres (2011). Coincidindo com uma exposição do trabalho da artista no Museu Whitney de Arte Americana em 2012, uma reprodução de 120 pés da pintura Yellow Trees (1994) de Kusama cobriu um condomínio em construção no Meatpacking District de Nova York. Naquele mesmo ano, Kusama concebeu a instalação do seu piso Milhares de Olhos como uma comissão para os novos Tribunais de Direito da Rainha Elizabeth II, em Brisbane.

Em 2011, Kusama criou obras de arte para seis lipglosses de edição limitada da Lancôme. Nesse mesmo ano, ela trabalhou com Marc Jacobs (que visitou seu estúdio no Japão em 2006) em uma linha de produtos Louis Vuitton, incluindo artigos de couro, prêt-à-porter, acessórios, sapatos, relógios e jóias. Os produtos foram disponibilizados em 2012 em uma loja pop-up do SoHo, que foi decorada com as saliências e bolinhas de Kusama. Eventualmente, seis outras lojas pop-up foram abertas em todo o mundo. Quando perguntada sobre sua colaboração com Marc Jacobs, Kusama respondeu que “sua atitude sincera em relação à arte” é a mesma que a dela.

Em sua nona década, Kusama continuou a trabalhar como artista. Ela voltou ao trabalho anterior voltando ao desenho e à pintura; seu trabalho permaneceu inovador e multidisciplinar, e uma exposição de 2012 exibiu vários trabalhos em acrílico sobre tela. Também contou com uma exploração do espaço infinito em suas salas do Infinity Mirror. Estes geralmente envolvem uma sala em forma de cubo revestida em espelhos, com água no chão e luzes piscando; essas características sugerem um padrão de vida e morte.

Em 2017, uma retrospectiva de 50 anos de seu trabalho foi aberta no Museu Hirshhorn, em Washington, DC. A exposição contou com seis salas do Infinity Mirror, e percorreu por cinco museus nos EUA e no Canadá. Em 25 de fevereiro de 2017, a exposição “Todo o Eterno Amor que Tenho por Abóboras” de Kusama, um dos seis componentes de suas salas do Infinity Mirror no Museu Hirshhorn, foi temporariamente fechada por três dias após danos a uma das brilhantes esculturas de abóbora da exposição. A sala, que mede 13 pés quadrados (1,2 m2) e é preenchida com mais de 60 esculturas de abóbora, é uma das atrações mais populares do museu de todos os tempos.


Allison Peck, uma porta-voz do Hirshhorn, disse em uma entrevista que o museu “nunca teve uma exposição com esta demanda de visitantes”, com a sala tendo em média mais de 8.000 visitantes entre sua abertura e a data de seu fechamento temporário. Embora houvesse relatos da mídia conflitantes sobre o custo da escultura danificada e como exatamente ela foi quebrada, Allison Peck afirmou que “não há valor intrínseco para a peça individual. É um componente manufaturado para uma peça maior”. A exposição foi reconfigurada para compensar a escultura perdida, e uma nova foi produzida para a exposição por Kusama.


Yayoi Kusama, também deixou como marco sua abóbora amarela, pontilhada de preto, na Ilha de. Esta abóbora amarela que ilustra a foto, é a mais famosa da ilha, e é exibida no píer em frente ao Benesse Hotel, a acomodação mais famosa (e cara) na ilha Naoshima. Com vista para o mar, com as ilhas vizinhas como pano de fundo, não é de admirar que a abóbora amarela de Yayoi Kusama tenha se tornado, de certa forma, o símbolo da ilha, que também é o símbolo da sua juventude de Kusama durante os anos da Segunda Guerra Mundial.

https://youtu.be/zFBvl-3dg9U

 

FONTE:
https://en.wikipedia.org/wiki/Yayoi_Kusama
https://theartstack.com/artist/yayoi-kusama-cao-jian-mi-sheng/yayoi-kusama-dots-obses
https://www.modernamuseet.se/stockholm/en/exhibitions/yayoi-kusama/about-the-artworks/
https://wild-about-travel.com/naoshima-pop-art-yayoi-kusama-yellow-pumpkin/
https://amuse-i-d.vice.com/naoshima-japans-surreal-island-of-art/

Yayoi Kusama | The Infinity for a Polka Dot

Paula45 Posts

Amante das belezas da vida, Paula sempre está por dentro do que está acontecendo no cenário cultural na cidade de São Paulo. Bacharel em Ciências e Humanidades e Técnica em Gestão Pública com foco em políticas culturais, Paula vem colecionando uma bagagem de conhecimentos nas áreas de Gestão Cultural e Jornalismo Cultural. Hoje Trabalha no programa de incentivo cultural Pro-MAC da Prefeitura de São Paulo

0 Comments

Leave a Comment

Login

Welcome! Login in to your account

Remember me Lost your password?

Lost Password