Jerry Saltz
Um grande amigo meu e crítico de arte escreveu um texto fantástico para o New York Times Magazine falando sobre como ser um artista. Creio ser um dos textos mais legais que eu já li sobre o assunto e achei indispensável para todos interessados no mercado de arte.
Como muitos críticos de arte, Jarry Saltz também tentou ser um artista de sucesso, mas encontrou seu nicho dentro da crítica.
O texto abaixo foi reeditado por mim e contém também as minhas opiniões. Tenho certeza de que Jerry não se incomodará com a re-leitura.
A pergunta mais comum dentro do mundo das artes é “como posso ser um artista?”
Quando Banksy modificou uma moldura para triturar uma pintura no momento em que ela foi leiloada, todos quase pudemos ouvir os sussurros: “Isso é arte?”
Neste ano, o maior evento em Nova York foi a retrospectiva de Andy Warhol no Whitney. Museum, mostrando um o artista paradigmático, auto-promovido, de fazer qualquer coisa virar arte e tornar qualquer coisas famosa.
Graças a ele hoje somos todos um pouco filhos de Andy, especialmente na era do Instagram, que treinou todo mundo a pensar visualmente e olhar nossas vidas regulares como base para a produção estética e artística.
Mas como conseguimos partir do nada e fazer arte de verdade, uma grande arte? Não há um caminho especial; todo mundo tem seu próprio caminho. No entanto, ao longo dos anos, apareceram algumas dicas importantes. A maioria deles foi simplesmente obtida através de olhar para a arte, depois de olhar um pouco mais. Outras ouvindo artistas falarem sobre seu trabalho e suas lutas. O fato é que todo mundo é um narcisista.
Criamos umas 33 regras – e elas realmente são tudo o que você precisa saber para ter uma vida dentro do mundo da arte. Ou 34, se você contar “Sempre seja gentil, generoso e aberto com os outros e cuide bem dos seus dentes”. E a 35: “Falsifique até conseguir.”
Aqui vão cinco lições antes mesmo de começar.
Nós sabemos. Fazer arte pode ser humilhante, aterrorizante, fazer você se sentir como um idiota, exposto, como se fosse ficar pelado na frente de alguém pela primeira vez. Você freqüentemente revela coisas sobre si mesmo que os outros podem achar apavorantes, estranhas, chatas ou estúpidas.
As pessoas podem pensar que você é anormal. Quando trabalhamos as vezes nos sentimos mal com pensamentos de que nada que fazemos é bom, que tudo isto não faz sentido.
A arte não precisa fazer sentido. Não precisa nem ser boa. Portanto, não se preocupe em ser inteligente e tentar fazer tudo ser “bom”.
Louise estava certa. Não seja ofuscado pelas definições de habilidade ou beleza de outras pessoas ou encaixotado pelo que é supostamente bom ou ruim. Não fique procurando cumprir as regras.
Desenhar dentro das linhas é para bebês; adicionar coisas e fazer tudo certo é para os contadores. A sua proficiência e destreza são tão boas quanto o que você faz com elas.
Mas lembre-se também que só porque é a sua história, isso não significa que você tem direito a um público. Você tem que ganhar o seu público. Não tente fazer isso com um grande projeto único. Dê passinhos de bebê. E seja feliz com estes passos.
Todos começamos como copiadores, pessoas que fazem pastiches do trabalho de outras pessoas.
Bem! Faça isso. No entanto, quando você faz isso, foque-se, comece a sentir a possibilidade de tornar todas essas coisas suas – mesmo quando as ideias, ferramentas e movimentos vierem de outros artistas. Sempre que você fizer alguma coisa, pense em como entrar em um gigantesco estádio cheio de idéias, caminhos, meios e materiais e possibilidades.
É sobre fazer e experiência.
Ninguém pergunta o que Mozart significa. Esqueça de fazer coisas que são entendidas. A Imaginação é seu credo; a falta de sentimento é sua inimiga. Toda arte vem do amor – amor de fazer alguma coisa.
A única regra é o trabalho. Se você trabalha, isso levará você a algo. São as pessoas que fazem todo o trabalho o tempo todo, que acabam dando certo.
Você pode tentar todas as outras formas de atividade e de não atividade. Ter medo de trabalhar ou medo de falhar. Só existe um único método que funciona: trabalhar e continuar trabalhando.
Todo artista e escritor que conhecido afirma trabalhar enquanto dorme.
Jasper Johns disse famosamente: “Certa noite, sonhei que tinha pintado uma grande bandeira americana e, na manhã seguinte, levantei-me e saí e comprei os materiais para começar”. Quantas vezes você recebeu dicas uma carreira inteira e não foi atrás? De sonhar e não ouviu a dica? Não importa o quão assustado você esteja; todo mundo está com medo. Trabalho. O trabalho é a única coisa que tira a maldição do medo e a insegurança.
Não se preocupe com o desenho. Apenas faça rascunhos. Diga a si mesmo que você está simplesmente diagramando, tocando, experimentando, vendo o que parece com o quê.
Se você sabe escrever então já sabe desenhar; você já tem uma forma própria, um estilo de fazer letras e números e rabiscos especiais. Estas são formas de desenho também.
Enquanto faz marcas e desenhos, preste atenção a todos os comentários físicos que recebe da sua mão, punho, braço, orelhas, olfacto e toque. Por quanto tempo o seu risco pode ir antes de você precisar levantar o lápis e fazer um outro diferente?
Faça riscos mais curtos ou mais longos. Mude as maneiras como você as fabrica, envolva seus dedos em tecido para mudar seu toque, tente a outra mão para ver o que ela faz.
Todas estas coisas estão lhe dizendo algo. Concentre-se e preste atenção em tudo que você está vivenciando. Não pense bem ou mal. Pense útil, prazeroso, estranho. Perceba com essas experiências e colabore com elas. Em breve, você estará fazendo outros desenhos, sem graça, desajeitados ou não. Quem se importa? Você está fazendo arte.
Leve um caderno de esboços com você o tempo todo. Pense em quais formas,estruturas, configurações, detalhes, varreduras, acúmulos, dispersões e composições o atraem.
Agora faça isso em outra superfície, qualquer superfície, para saber que tipo de material agrada a você. Desenhe em pedra, metal, espuma, xícaras de café, rótulos, calçadas, paredes, plantas, tecidos, madeira, qualquer coisa. Apenas faça marcas; decorar essas superfícies. Toda arte é uma forma de decoração. Agora, pergunte a alguém o que eles recebem quando analisam o que você fez.
Quando você estiver esperando ou sentado, pratique desenhar suas próprias mãos. Muitas mãos na mesma página, mãos em outras mãos. As mãos de outras pessoas, se você quiser.
Você pode desenhar outras partes do seu corpo que você pode ver também. Mas você tem que olhar e depois descrever com o seu lápis ou caneta o que você vê. Não pare!
Os espelhos são bons, mesmo se você quiser desenhar apenas onde sua bochecha se transforma em sua boca. Jogue com diferentes escalas, torne as coisas maiores, menores, distorcidas.
Exercício: esqueça de tentar ser um gênio e desenvolva algumas habilidades
todos os artistas deveriam:
Agora você está de posse de antigos conhecimentos secretos.
A habilidade artística não tem nada a ver com proficiência técnica, exatidão mimética ou o chamado bom desenho.
Para todo grande artista, há uma definição diferente de habilidade. Faça aulas de desenho, se desejar; aprenda a desenhar “como os mestres”. Você ainda tem que fazer isso de uma maneira original.
“sua habilidade será o que você está fazendo de forma diferente.”
Pollock não conseguia desenhar de forma realista, mas a sua pintura rápida, por um tempo, foi a mais apreciada no mundo da arte. Você pode. fazer o mesmo –
O que isto significa? Um objeto deve expressar idéias; a arte deve conter emoções. E essas idéias e sentimentos devem ser fáceis de entender – complexos ou não.
Hoje em dia, um artista pode exibir uma pintura toda marrom com um longo texto nos informando que o artista levou a tela para o Kosovo perto do local do massacre sérvio da década de 1990 e esfregou a tela por duas horas enquanto estava vendado para celebrar o assassinato. . Recentemente, enquanto eu olhava para fotografias chatas em preto e branco de nuvens no céu, um galerista se aproximou de mim e disse seriamente: “Estas são imagens de nuvens sobre Ferguson, Missouri, em protesto contra a violência policial”. Sua mente certamente vai estar pensando: “Não! Estas são apenas imagens idiotas de nuvens e nada têm a ver com nada ”.
Existe um caminho diferente, entretanto. No inverno de 1917, Marcel Duchamp, com 29 anos, comprou um mictório na J.L. Mott Iron Works, na Quinta Avenida, virou-o de lado e assinou: “R. Mutt 1917 ”, intitulado a öbra” Fountain, e a submeteu à exposição da Sociedade de Artistas Independentes.
A fonte é um equivalente estético da palavra se tornando realidade, um objeto que também é uma idéia – que qualquer coisa pode ser uma obra de arte. A “Fountain” hoje é chamada de obra de arte mais influente do século XX.
Este projeto de incorporar o pensamento em material para mudar nossa concepção do mundo não é apenas um novo desenvolvimento. Quando vemos pinturas rupestres, estamos vendo um dos sistemas operacionais visuais mais avançados e complexos já criados por nossa espécie.
Os criadores do trabalho queriam retratar no mundo real algo que tinham em mente e tornar essa informação legível para os outros.
Usando qualquer material em qualquer superfície, faça ou desenhe um totem de 1 metro de altura de sua vida. A partir deste totem, poderemos saber algo sobre você além da sua aparência ou de quantos irmãos você tem. Inclua o que você quiser: palavras, letras, mapas, fotos, objetos, sinais. Isso não deve demorar mais de uma semana. Depois de uma semana, chega. Agora mostre para alguém que não te conhece bem. Diga-lhes apenas: “Este é um totem da minha vida até agora.” Isso é tudo. Não importa se eles gostam disso. Peça-lhes para lhe dizer o que significa sobre sua vida. Sem pistas. Ouça o que eles dizem.
Então exagere.
Se alguém disser que seu trabalho se parece com o de outra pessoa e que você deveria parar de fazê-lo, diga que não vai parar. Faça novamente. Faça isso 100 vezes ou 1.000 vezes. Em seguida, pergunte a um amigo artista em quem você confie, caso seu trabalho ainda pareça muito com a arte da outra pessoa. Se ainda parecer muito com a da outra pessoa, tente outro caminho.
Imagine o horror que Philip Guston deve ter sentido quando seguiu sua própria voz e deixou de ser um Expressionista Abstrato de primeira linha nos anos 50 para pintar figuras desajeitadas de desenho animado fumando charutos, dirigindo em conversíveis e usando capuzes da KKK! Ele quase não seguiu esta linha, mas terminou por seguir a sua voz de qualquer maneira. Este trabalho é agora um dos mais reverenciados de todo o período.
Exercício: uma arqueologia
Faça um índice, uma árvore genealógica, um gráfico ou diagrama de seus interesses. Todos eles, tudo: visual, físico, espiritual, sexual. Tempo de lazer, hobbies, alimentos, edifícios, aeroportos, tudo. Todos os livros, filmes, sites, etc. A totalidade dessa auto-exposição pode ser assustadora. Mas sua voz está ai. Isso se tornará um recurso e registro para retornar e adicionar para o resto da sua vida.
Ouça as vozes contraditórias na sua cabeça. Os rivais, amigos, pessoas famosas, influenciadores mortos e vivos. Eles estão todos olhando enquanto você trabalha; Nenhum deles é mesquinho. Todos fazem observações, recomendações, etc. Use música se quiser. Deixe o Beethoven ou a Barbara Kruger na sua cabeça dizer: Torne esta frase curta, enérgica, declarativa, agressiva. Deixe o Led Zeppelin entras em sintonia, experimente aqui um cabeludo; deixe tudo se mostrar. Todas as pinturas que você já viu vão te ajudar a tornar lindo o que você está fazendo.
D. H. Lawrence , Alexander Pope, Wallace Stevens e Proust lhe ajudarão a fazer mais e mais. Essas vozes estarão sempre presentes quando as coisas ficarem difíceis para você.
Leia muito, veja muita arte, se deixe influenciar, não ter medo de se contaminar. Um artista é o grande porta-voz do momento em que a sociedade está vivendo.
Provavelmente será você.
Exercício: faça uma lista de arte
Faça uma lista de três artistas cujo trabalho você despreza. Faça uma lista de cinco coisas sobre cada artista que você não gosta; Seja o mais específico possível. Muitas vezes haverá algo sobre o que esses artistas fazem que você compartilha. Realmente pense sobre isso.
A vida é o seu currículo: Reúna-se de todos os lugares.
Andy Warhol disse: “Eu sempre gosto de trabalhar em … coisas que foram descartadas, que todos sabiam que não eram boas”. Ele também entendeu que “lojas de departamentos se tornaram museus”, significando que informações ópticas podem vir de qualquer lugar, até mesmo de um “celestial pacote de temperos”.
A originalidade não morreu convenientemente a tempo de você e sua geração insistirem que ela não existe mais. Você apenas precisa acha-la. Você pode fazer isso procurando por períodos esquecidos da história da arte, estilos não apreciados e desacreditados, e idéias, imagens e objetos esquecidos. Em seguida, trabalhe-os em sua própria arte 100 vezes ou 1.000 vezes.
Essa é a parte divertida.
Isso pode parecer ridículo, mas quando você chama o seu cachorro e ele vem direto para você, colocando a cabeça no seu colo, babando, abanando o rabo: uma comunicação direta milagrosa com outra espécie. Agora chame o seu gato. Ele pode olhar para cima, contrair-se um pouco, talvez ir até o sofá, circular uma vez e deitar-se novamente. O que estamos dizendo?
Ao ver como o gato reagiu, você está vendo algo muito próximo de como os artistas se comunicam.
O gato não está interessado em comunicação direta. O gato coloca uma terceira coisa entre você e isso e se relaciona com você através desta terceira coisa. Gatos se comunicam abstratamente, indiretamente. Como Carol Bove diz: “Você não apenas anda até a beleza e a beija na boca!” Artistas são gatos. (E eles não podem ser conduzidos.).
Arte faz alguma coisa.
Nos últimos 100 anos, a arte foi reduzida a ser algo que vemos em galerias de arte e museus limpos, brancos e bem iluminados. Arte tem sido limitada desta forma, se tornou uma coisa passiva: mais uma atração turística para ver, fazer um selfie e seguir em frente.
Mas para quase toda a sua história, a arte tem sido um verbo, algo que faz coisas para você ou com você, que faz as coisas acontecerem.
Dizem que as relíquias sagradas nas igrejas de todo o mundo curam as pessoas. Arte foi levada para a guerra; feita para nos proteger, amaldiçoar um vizinho, matar alguém; foi uma ajuda para engravidar ou prevenir a gravidez. Há enormes, lindas, multicoloridas e intricadamente estruturadas pinturas de areia Navajo usadas em cerimônias para pedir ajuda aos deuses.
Os olhos pintados em sarcófagos egípcios não estão lá para nós vermos; eles estão lá para que a pessoa enterrada possa assistir. As pinturas dentro dos túmulos deveriam ser vistas apenas por seres na vida após a morte.
Você já chorou em frente a uma obra de arte? Anote seis coisas sobre isso que fizeram você chorar. Coloque a lista na parede do seu estúdio. Essas são palavras mágicas para você.
Uma das lições mais cruciais que existe!
O assunto do estudo de Francis Bacon, de 1953 sobre o quadro de Velázquez, do Papa Inocêncio X, é um papa, um homem sentado em uma espécie de caixa transparente. Já o conteúdo pode ser uma rebelião ou uma acusação de religião. Pode ser claustrofobia ou histeria ou a loucura da religião ou civilização.
O assunto do David de Michelangelo é um homem de pé com uma tipóia. O conteúdo pode ser graça, beleza – ele tinha apenas 17 anos, se você sabe o que quero dizer – com um pintinho, consciência física, intemporalidade, coisas eternas, uma forma de perfeição, vulnerabilidade. Este conteúdo é de alta renascença. O David de Bernini, feito 120 anos depois, é barroco – cheio de ação e drama.
Quando você olha para a arte, faça do assunto a primeira coisa que você vê – e depois pare.
Tente encontrar o conteúdo em uma pintura de Robert Ryman, que faz quase todo o trabalho desde os anos 50 em BRANCO. Pergunte quais são as idéias de Ryman (ou de qualquer artista) e qual é sua relação com a pintura, a superfície, a escala interna (ou seja, o tamanho das pinceladas usadas no trabalho), a cor. O que é branco para Ryman?
Observe a data: 1960. Por que ele faria essa pintura então? Isso teria parecido com outra arte na época? Como teria sido diferente? Pergunte a si mesmo o que mais estava sendo feito então. Como é o trabalho pendurado na parede? Está em um quadro? A moldura ou superfície é espessa, fina e próxima da parede? Como é isso, ao contrário de outros trabalhos quase monocromáticos de Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Agnes Martin ou Ad Reinhardt? A superfície é sensual ou intelectual? O pintor quer que você veja o trabalho de uma vez ou em partes? Algumas partes são mais importantes que outras? Todas as partes da superfície supostamente são igualmente importantes?
Quais são as ideias do artista sobre artesanato e habilidade? Você acha que esse artista gosta de pintar ou está tentando pintar? Isso é anti-arte? Qual é o relacionamento de Ryman com materiais, ferramentas, marcações? Como você acha que ele fez o trabalho? Como pode ser original ou inovador? Por que isso deveria estar em um museu? Por que não deveria estar em um museu? Você gostaria de viver com isso? Por que ou por que não? Por que você imagina a pintura desse tamanho? Agora tente uma Frida Kahlo.
Exercício: Compare estes oito nus
Esqueça o assunto – o que cada uma dessas pinturas está realmente dizendo?
Os críticos olham dando um passo para trás, aproximando-se, subindo e recuando; olhando para um show inteiro, comparando um trabalho com outro; considerando o trabalho passado do artista, avaliando desenvolvimentos, repetições, regressões, falhas, falta de originalidade; etc.
Os artistas vêem uma obra de maneira muito diferente: eles se aproximam muito de um trabalho; eles inspecionam cada detalhe, suas texturas, materiais; eles tocam, olham para as bordas e ao redor da parte de trás do objeto.
O que os artistas estão fazendo? Eles dirão: “Vendo como é feito”. Eu diria: “Estão roubando”.
Você pode roubar de qualquer coisa, aliás, você deve! Você é melhor! Arte ruim te ensina tanto quanto boa arte. Talvez mais! A grande arte é muitas vezes inimiga do bem; não te deixa espaço suficiente para roubar.
Isso é porque é feito por alguém.
E não se preocupe em ser “político” o suficiente: Kazimir Malevich pintou praças durante a Primeira Guerra Mundial; Mark Rothko fez praças borradas durante a Segunda Guerra Mundial; Agnes Martin desenhou grades na tela durante a Guerra do Vietnã. Toda arte é uma confissão, mais ou menos oblíqua.
Os artistas que afirmam que a arte é supostamente boa para nós também precisam ver que existem várias maneiras de a arte ser “boa para nós”.
Nunca se esqueça disso, que toda arte foi feita por artistas em reação ao seu tempo. Isso vai tornar você menos cínico e fechado e mais compreensivo e aberto a tudo que você vê. Por favor faça isso! Isto vale para todos nós.
Um guia de como ser um artista para viver em um covil de cobras.
Embora tudo o que vemos hoje em dia no mundo da arte sejam preços astronômicos, glamour e comportamentos parecidos com o de um viciado, lembre-se de que apenas um por cento, de um por cento, de um por cento de todos os artistas enriquece com suas obras de arte. Você pode se sentir negligenciado, subestimado e mal pago. Que pena. Pare de sentir pena de si mesmo; não é por isso que você está fazendo arte.
Mas tenha cuidado. Respostas típicas serão dinheiro, felicidade, liberdade, “fazer o que eu quero”, ter uma comunidade de artistas, fazer com que as pessoas vejam o que eu faço.
Mas… se você se casar com uma pessoa rica e tiver muito dinheiro, ficará satisfeito apenas com o dinheiro?
Que tal ser “feliz”? Não seja bobo! Muitas pessoas de sucesso são infelizes. E muitas pessoas felizes não são bem sucedidas. Sucesso e felicidade vivem em lados diferentes da rua.
Você quer a verdadeira definição de sucesso? A melhor definição de sucesso é o tempo – o tempo para fazer o seu trabalho.
Como você vai ganhar tempo se não tiver dinheiro? Você vai trabalhar em tempo integral por um longo tempo. Você ficará deprimido por isso por muito tempo – ressentido, frustrado, invejoso.
Mas você é um artista sorrateiro e engenhoso! Logo você descobre uma maneira de trabalhar apenas quatro dias por semana; Você começa a ficar um pouco menos deprimido. Mas, no domingo à noite, você está deprimido de novo, de volta ao trabalho que leva a lugar nenhum, que ainda está ocupando muito do seu tempo.
Mas se você é realmente sorrateiro e engenhoso; este é um assunto de vida e morte para você. Eventualmente – e isso acontece com 80% dos artistas que conheço – você arruma uma maneira de fazer um trabalho em apenas três dias por semana. Você pode trabalhar em uma galeria; para um artista ou um museu; como professora, crítica de arte, manipuladora de arte, revisor, qualquer coisa.
Agora você não está mais deprimido: você tem tempo para fazer seu trabalho e sair mais; Agora comece a trabalhar. Ou pare de ser um artista.
Você precisa de apenas um revendedor – alguém que acredite em você, ajude você emocionalmente, paga prontamente, não faça muitos jogos mentais; que seja honesto com você sobre sua arte de baixa qualidade ou alta, que faz o máximo possível para divulgar seu trabalho e tentar ganhar dinheiro com isso também. Este revendedor não precisa estar na sua cidade necessariamente.
Você precisa de apenas cinco ou seis colecionadores que comprarão seu trabalho de tempos em tempos e ao longo dos anos, que realmente entendem o que você está fazendo, que estão dispostos a passar pelos altos e baixos da sua carreira e que não dão palpites sobre o seu trabalho. ”Cada um desses seis colecionadores pode falar com outros seis colecionadores sobre o seu trabalho. Mesmo que você tenha apenas seis colecionadores, isso é suficiente para você ganhar dinheiro suficiente para ter tempo suficiente para fazer seu trabalho.
Seria bom ter dois ou até três críticos que parecem conseguir ver o que você está fazendo. Seria melhor se esses críticos fossem da sua geração.
Seria bom ter um ou dois curadores de sua geração ou um pouco mais velhos que o colocassem em shows de tempos em tempos.
Em 1957, o galerista Leo Castelli descobriu Jasper Johns enquanto visitava o estúdio de Robert Rauschenberg. Castelli imediatamente ofereceu a Johns seu primeiro show solo. Foi lá que Alfred Barr, o diretor fundador do Museu de Arte Moderna de Nova York, comprou três obras. Obras adicionais foram compradas por Philip Johnson e Burton e Emily Hall Tremaine. Antes mesmo do show, o editor executivo Thomas Hess colocou um Johns na capa da revista ARTnews.
Em 1993, o sucesso de Elizabeth Peyton em Nova York foi encenado pelo comerciante Gavin Brown no quarto 828 do Chelsea Hotel. Os visitantes pediram a chave do quarto na recepção. Eles subiram, abriram a porta e entraram em um pequeno apartamento de frente para a 23rd Street. Lá eles viram 21 desenhos em preto e branco de dandies de carvão de pequeno a médio porte, Napoleão, Rainha Elizabeth II, Ludwig II e outros.
Qualquer uma das obras poderia ter sido roubada; nenhuma foi. Desde então, Peyton fez shows em museus em todo o mundo; seus trabalhos são vendidos por cerca de um milhão de dólares. De acordo com o livro do hotel, apenas 38 pessoas viram o show depois da abertura.
é difícil negar o fato de que algumas pessoas estão melhor conectadas do que outras. Elas chegam ao topo mais rápido. O mundo da arte está cheio dessas pessoas privilegiadas. Você pode odiá-las. É injusto e injusto e ainda em relação em torno de mulheres e artistas de cor, especialmente, para não falar de artistas com mais de 40 anos. Isso precisa mudar e ser mudado. Por todos nós.
Quando se trata de declarações do artista, mantenha as coisas simples.
Não use o jargão da arte; escreva em sua própria voz, escreva como você fala. Não tente escrever inteligente.
Mantenha sua afirmação direta, clara, ao ponto. Não se oponha a grandes conceitos como “natureza” e “cultura”. Não use palavras como interrogar, reconceitualizar, desconstruir, simbolizar, transcendental, mística, cultura de mercadoria, espaço liminar ou háptico. Não cite Foucault, Deleuze, Derrida. Esses caras são ótimos. Mas não os cite. Invente sua própria teoria. Pessoas que dizem odiar ou não ter teoria: essa é a teoria, seus idiotas!
Coisas importantes são difíceis de escrever. É assim que é. Saiba lidar com isso. E se é pretensioso dizer isso, não diga.
Exercício: declaração do artista
Escreva uma declaração simples de 100 a 150 palavras sobre o seu trabalho; dê a alguém que não conhece o seu trabalho. Peça-lhes que digam como eles acham que seu trabalho é. Observe as diferenças.
Duas dicas:
(A) Não faça da escrita um grande problema. Apenas escreva, o que você pensa! Você já sabe escrever.
(B) Nunca apenas diga: “Você me diz o que você acha.” Isso é uma besteira. Quando se trata do seu trabalho, você é a melhor autoridade que existe sobre o assunto.
Estratégias psíquicas de como ser um artista e lidar com o horroroso (dentro e fora).
Fique acordado até tarde todas as noites com outros artistas da sua idade. Mostrar-se. Vá a aberturas, eventos, festas, onde quer que haja mais do que dois da sua espécie.
Artistas devem comungar com sua própria espécie o tempo todo. Não há exceções a essa regra, mesmo que você viva “na floresta”.
Preferencialmente comungue pessoalmente, mas on-line é mais do que bom. Não importa onde você mora: cidade grande, cidade pequena, cidadezinha. Vocês vão lutar e amar juntos; você desenvolverá novas linguagens juntas e dará conforto, conversa e força para continuar. É assim que você vai mudar o mundo – e sua arte.
Para se proteger, forme pequenas gangues. Proteja-se um ao outro, não importa o quê; essa gangue permitirá que todos vocês saiam e dominem partes do mundo. Discuta, durma com amor, odeie, fique doente de seus companheiros de gangue. Aconteça o que acontecer, você precisa um do outro – por enquanto. Proteja o artista mais fraco da sua gangue, porque há pessoas na gangue que acham que você é o fraco.
Em 1956, “após cuidadosa consideração”, o Museu de Arte Moderna rejeitou um desenho de sapato que Warhol havia dado ao museu. Monet foi rejeitado durante anos nas exposições do Salão de Paris. O trabalho de Manet e Courbet foi rejeitado como escandaloso, sensacionalista e feio. As pinturas de Manet exibem “vulgaridade inconcebível”. Manet não quis se apresentar com Cézanne porque achava que ele era vulgar.
O mais renomado e primeiro livro de Stephen King, Carrie, foi rejeitado 30 vezes. King jogou fora as primeiras páginas do livro. Sua esposa passou pelo lixo, resgatou-as e persuadiu-o a continuar escrevendo.
Os Beatles foram rejeitados pela Decca Records, que acredita que “os grupos de guitarristas estavam saindo de moda” e “os Beatles não tinham futuro no show business”.
Mas não ignore as críticas. Em vez disso, mantenha suas cartas de rejeição; cole-os na sua parede. São coisas para provar que estavam erradas. Você pode se incomodar com as críticas ruins, mas não se deixe abater por elas; eles não definem você.
Muito mais complicado: Aceite que toda crítica pode ter um grão de verdade, algo que você fez que permitiu que essa pessoa dissesse o que foi dito.
Você pode estar à frente do seu tempo, mas a pessoa não pode ver. Ou talvez você esteja fazendo algo que não chegue bem, que permita que eles não apreciem seu trabalho ou que você não tenha encontrado uma maneira de fazer com que seu trabalho fale com as pessoas com quem você quer falar.
Em geral, você deve estar aberto para criticas, desenvolver uma pele grossa. E lembre-se de que nada que alguém diga a você sobre seu trabalho pode ser pior do que as coisas que você já pensou e disse para si mesmo 100 vezes.
Quando alguém te criticar, fale: “Você pode estar certo”. Tem uma dupla vantagem.
Quer saber mais sobre como responder a uma crítica de arte, veja aqui:
https://arteref.com/arte/curiosidades/como-responder-a-uma-critica-negativa-sobre-a-sua-arte/
Hoje!
A inveja olha para os outros, mas te cega.
Ele vai te comer vivo como artista; você vai viver à serviço dela, sempre à beira de um fracasso, pensando em coisas passadas, assistindo a tudo, sempre vendo o que outras pessoas têm, procurando por outros artistas que são mencionados ao invés de você.
A inveja corrói sua mente, deixa menos espaço para o desenvolvimento e, mais importante, para a autocrítica honesta. Sua imaginação é absorvida pelo que os outros têm, e não pelo que você precisa fazer em seu próprio trabalho para conseguir o que deseja.
Desta fortaleza, tudo o que não acontece com você é atribuído a algo ou a outra pessoa. Você se imagina um van Gogh moderno, um gênio ignorado para o qual o mundo não está preparado. Seus sentimentos de falta definem você, tornam-no azedo, amargo, não amoroso e mesquinho.
Pobre você. Pena que todos os outros “maus artistas” estão recebendo shows e você não está. Pena que eles estão recebendo os artigos, dinheiro e amor! Pena que eles têm uma herança, frequentaram escolas melhores, casaram com alguém rico, tenham uma aparência melhor, tenham tornozelos mais finos, sejam mais sociais, tenham melhores conexões ou usem suas conexões, habilidades em rede e educação. Pena que você é tímido.
Um segredo: quase todo mundo no mundo das artes é quase igualmente tímido e medroso em se expor. Todos nós fazemos o melhor que podemos. Mas auto piedade não é uma maneira de melhorar o seu trabalho, e você está fora do jogo se não aparecer. Então levante e volte ao trabalho!
Existe uma regra não escrita – especialmente para mulheres no mundo da arte – que ter filhos é “ruim para sua carreira”. Isso é idiota.
Provavelmente, 90% de todos os artistas tiveram filhos. Esses artistas foram em sua maioria homens e não foi ruim para suas carreiras. Naturalmente, as mulheres eram encarregadas quase exclusivamente de criar filhos ao longo dos séculos, não eram permitidas em escolas e academias, nem sequer autorizadas a desenhar nus, muito menos aprender com artistas. Isso terminou.
Ter filhos não é “ruim” para sua carreira. Ter filhos significa ter menos tempo, dinheiro ou espaço. E daí? A maioria das crianças criadas no mundo da arte tem vidas incríveis.
Como a artista Laurel Nakadate observou, ser pai já é muito parecido com ser um artista. Isso significa sempre arrastar as coisas, viver no caos, fazer coisas que são misteriosas ou impossíveis ou assustadoras. Tal como acontece com a arte, as crianças podem deixá-lo louco durante todo o dia, fazer com que você deseje que tudo e vá embora. Então, em um único segundo, a qualquer momento, você é redimido com um momento de amor intenso e transformador. Isto é a definição de vida na arte!
Sexto passo: Atingir um cérebro galáctico
Alguns epigramas cósmicos
Não diga: “Eu odeio pintura figurativa”. Você nunca sabe quando verá uma pintura figurativa que chame a sua atenção. Então não seja um agente funerário do mundo da arte pronunciando “A pintura está morta”, “O romance está morto”, “O autor está morto”, “A fotografia está morta”, “A história está morta”. Nada está morto!
A arte não é opcional, não é um paisagismo decorativo em frente ao castelo da civilização. Não é mais ou menos importante que filosofia, religião, economia ou psicologia.
Qualquer um pode usar sua arte – qualquer arte – de qualquer maneira que funcione para eles. Você pode dizer que seu trabalho é sobre a diáspora, mas outros podem ver mudanças climáticas ou um estudo da natureza. Legal.
O que isto significa? Temos consenso de que certos artistas são bons, mas você pode olhar para um Rembrandt e se achar pensando … É bem marrom. Isso é bom! Isso não significa que você é burro.
Isso significa que enquanto há um texto para Hamlet, toda pessoa que vê a peça vê um Hamlet diferente. Além disso, toda vez que você vê Hamlet, é diferente. Este é o caso de quase toda boa arte. Está sempre mudando, e toda vez que você a vê de novo, pensa: como eu não vi isto isso antes? Agora finalmente vejo! Até a próxima vez que reorganizar o seu pensamento.
Isso leva você a uma das áreas metafísicas da arte:
Vulnerabilidade radical.
O que é isso? Levar o seu trabalho aos cantos mais escuros e manifestações mais estranhas, revelando coisas sobre você que você não quer revelar.
Nós todos nos contradizemos. Você deve estar disposto a falhar descaradamente, fazer coisas que pareçam bobas e que possam levá-lo a ser julgado como uma pessoa má.
Você consegue?
Às três da manhã, os demônios falam para todos nós. Não importa a sua idade, eles ainda falam todas as noites. E todos os dias.
Eles dizem que você não é bom o suficiente, não frequentou as escolas certas, é burro, não sabe desenhar, não tem dinheiro suficiente, não é original; que o que você faz não importa, e quem se importa, e você nem conhece a história da arte, e não consegue entender. Eles dizem que você está fingindo, que outras pessoas vêem através de você, que você é preguiçoso, que você não sabe o que está fazendo e que está apenas fazendo isso para conseguir atenção ou dinheiro.
Aqui vai uma solução para afastar esses demônios: depois de se bater por meia hora, pare e diga em voz alta: “Sim, mas eu sou um gênio do caramba(tirei o palavrão aqui)”.
Essas regras são suas ferramentas. Agora use-as para mudar o mundo.
É hora de trabalhar!
Aqui vai:
Lição 34: “Seja sempre gentil, generoso e aberto com os outros e cuide bem dos seus dentes.”
Lição 35: “Falsifique até conseguir.”
Caso você queira ler “Como ser um artista” em inglês, aqui vai um link para o site a Amazon:
https://arteref.com/arte/curiosidades/valor-da-obra-como-fazer-sua-arte-valer-mais-dinheiro/
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Me identifiquei muito com o texto e com as dicas, por várias vezes já me senti uma idiota, adoro rabiscar sem rumo, amo as cores, e várias telas foram resultados de meus sonhos, ouço muitas críticas, já me disseram que minha pintura não é para comércio, que preciso escolher outro estilo, mudar a maneira de pintar, no início até dava ouvidos, mas percebi que sempre vão ter críticas, assim como elogios.... Então entendi que não preciso pintar para agradar aos outros e sim para expor minhas ideias, materializar meus pensamentos, meus sonhos e dar vida aos meus sentimentos. Apesar de não ter oportunidades de expor e vender não consigo parar de pintar, amo o que faço e logo não terei mais espaço para tantas telas, já prometi que não pintaria mais, mas basta olhar para uma tela branca e minhas ideias começam a aflorar.
Nossa! Muito obrigada.