Concretismo: O movimento que focou no raciocínio e na ciência

O Concretismo foi um movimento de meados do século XX, que nasceu como oposição à arte abstrata. Embora tenha sido impulsionado por um manifesto escrito por Theo van Doesburg em 1930, o termo foi popularizado nas duas décadas seguintes pelo artista e designer suíço Max Bill.

Os artistas adeptos ao concretismo, seguindo os passos de movimentos como Construtivismo e De Stijl, ofereceram uma arte que passava longe de assuntos realistas, baseada em estruturas composicionais precisas, que representavam fórmulas matemáticas ou científicas.

Na década de 1950, a Arte Concreta havia se tornado um estilo internacionalmente dominante e totalmente reconhecível. Sua origem se deu na França e na Suíça, se espalhou pela Europa e, mais significativamente, na América Latina.

O surgimento do neoconcretismo no Brasil em 1959 indiscutivelmente sinalizou o fim da arte concreta, porém ainda assim, a variedade de mídias, incluindo arte cinética, pintura com arestas e poesia concreta, continuaram a traçar sua influência.

O início do Movimento Concretista

A primeira metade do século 20 foi um período animado para a arte ocidental, possivelmente o mais transformador – dissecando, destruindo, criando sem desculpas, dando a cada indivíduo sua voz distinta e, nesse processo, gerando um novo estilo, um novo grupo, um novo movimento a cada duas semanas, seja na pintura, escultura ou arquitetura.

Na década de 1910, alguns progressistas romperam completamente com qualquer tipo de representação que foi uma mudança abrupta, mesmo no cubismo e no fauvismo tardios. O russo Wassily Kandinsky foi possivelmente o primeiro a aderir características do movimento em suas pinturas, logo seguido por tabletes e composições numeradas de Piet Mondrian e pelo Quadrado Negro de Kazimir Malevich.

Independentemente deles, a sueca Hilma af Klint desenvolveu seu próprio conceito de alta abstração, criando representações visuais de idéias espirituais complexas derivadas do hermetismo e da teosofia.

Tudo isso preparou o cenário para De Stijl, também conhecido como neoplasticismo, um movimento fundado em 1917 em Amsterdã, composto pelos pintores Mondrian, Vilmos Huszár e Bart van der Leck, junto com os arquitetos Gerrit Rietveld, Robert van ‘t Hoff e JJP Oud.

Como a Holanda foi isolada do grande centro artístico de Paris durante a Primeira Guerra Mundial (os artistas holandeses não foram capazes de deixar o país depois de 1914 devido a seus governos terem uma posição oficialmente neutra no conflito), surgiu um movimento moderno que era distintamente original e único, parcialmente influenciado pelas principais correntes do mundo da arte da época.

Como simpatizantes do neoplasticismo, um membro do grupo defendia o uso de formas geométricas horizontais e verticais simples, usando pouca cor além do branco, preto e as primárias, reduzindo tudo ao essencial da forma e da cor. A cadeira vermelha e azul de Gerrit Rietveld é possivelmente o exemplo mais famoso disso.

De Stijl era na verdade o nome da revista publicada pelo líder da camarilha Theo van Doesburg, que serviu para aproximar os ideais do grupo ao público que era amante de arte. O neoplasticismo logo deu à luz idéias novas e modernas. Menos de uma década depois, dela surgiram o construtivismo, a Bauhaus e a arte concreta.

O que diferenciava a arte concreta dos estilos anteriores era sua tendência ainda mais forte de confiar em formas geométricas puras, suas qualidades cerebrais e formais, sua completa negação de lirismo, dramaismo, simbolismo – fazendo com que parecesse mais mecânica, mais feita à máquina (especialmente na escultura), em vez de se encaixar entre as obras criadas pelo toque humano.

O Manifesto “Art Concret”

A expressão “arte concreta” foi criada por Theo van Doesburg. Desenvolvedor de uma concepção anti-impressionista e antiabstrata de arte, sobretudo de pintura, ele passou a considerar apenas as linhas, pontos, cores e planos na tela.

Essa perspectiva sobre a pintura acabou por gerar certa oposição ao subjetivismo artístico, isto é, a arte como expressão da subjetividade e dos sentimentos.

Os pontos principais da estética concreta estão reunidos no manifesto escrito por van Doesburg, publicado em 1930.

“Declaramos: 1. A arte é universal. 2. A obre de arte deve ser inteiramente concebida e formada pela mente antes de sua execução. Ela não deve receber nada das propriedades formais da natureza ou da sensualidade e do sentimento. Queremos excluir o lirismo, a dramaticidade, o simbolismo etc. 3. O quadro deve ser construído inteiramente a partir de elementos puramente plásticos, isto é, superfícies e cores. Um elemento pictórico não possui outro significado além de ‘si mesmo’ e, portanto, o quadro não tem outro significado além de ‘si mesmo’. 4. A construção do quadro, bem como seus elementos, deve ser simples e controlável visualmente. 5. A técnica deve ser mecânica, isto é, exata e antiimpressionista. 6. Esforço visando absoluta clareza.”

Principais artista do Concretismo

A arte concreta foi impulsionada pelo mesmo homem por trás de De Stijl – Theo van Doesburg. Pintor, escritor, oleiro e arquiteto, ele era o agente, mantendo grupos que, de outra forma, se desintegrariam rapidamente.

Inicialmente influenciado por Van Gogh e Kandinsky, suas obras se tornaram cada vez mais abstratas, sob a crença de que havia um nível muito mais alto e mais espiritual na pintura do que o que os outros estavam fazendo até então. Um ano antes de sua morte, ele escreveu o manifesto “A Base da Arte Concreta”, que inaugurou um estilo que duraria 20 anos e ainda seria parcialmente relevante até hoje.

As conexões de Otto G. Carlsund com o cubismo, o purismo, o neoplasticismo e a arte concreta fazem dele um exemplo quase ideal de um artista (e crítico de arte) cujo seu estopim era a arte concreta.

Ao longo dos anos, ele se moveu lentamente em direção a ela, onde encontrou o caminho para expressar o que tinha a dizer. O grupo Art Concret ao qual ele pertencia (junto com van Doesburg, Hélion etc.) teve vida curta, encontrou oposição do público e se dissolveu após várias exposições fracassadas. Ainda assim, Carlsund permaneceu firme em seu credo, não exibindo muito, mas continuando a criar e escrever até sua morte.

Max Bill foi arquiteto, pintor, artista gráfico, professor, possivelmente a influência mais forte no design gráfico suíço nos anos 50. Não exatamente um racionalista, ele ainda produzia obras de arte representando visualmente a Nova Física do século 20, efetivamente tornando-as herdeiras da arte concreta.

Ele trabalhou em pedra, madeira, metal e gesso, projetou tudo, desde relógios a edifícios, e continuou inovando sua busca artística, mantendo-se fiel à sua força motriz, que era purista.

O Concretismo no Brasil

O Concretismo foi um movimento artístico e literário que surgiu no Brasil na década de 1950, com influências da arte construtivista e das vanguardas europeias. Alguns dos principais artistas desse movimento foram:

1. Augusto de Campos: Poeta e ensaísta, Augusto de Campos foi um dos fundadores do Concretismo no Brasil. Ele é conhecido por suas experiências com poesia visual, utilizando recursos gráficos e tipográficos para explorar a materialidade das palavras.
2. Décio Pignatari: Juntamente com Augusto de Campos e seu irmão Haroldo de Campos, Décio Pignatari foi um dos teóricos e praticantes do Concretismo. Ele também contribuiu com experimentações na poesia visual e na linguagem poética, buscando uma arte verbal mais objetiva e construtiva.
3. Haroldo de Campos: Irmão de Augusto de Campos, Haroldo foi outro grande nome do Concretismo brasileiro. Ele se destacou não apenas como poeta, mas também como tradutor e crítico literário. Sua obra reflete a preocupação com a linguagem como materialidade e com a interseção entre poesia e outras formas de expressão artística.
4. Ferreira Gullar: Embora mais conhecido por sua participação no movimento neoconcreto, Ferreira Gullar também teve influência no Concretismo. Sua obra “Poema Sujo” é frequentemente associada aos princípios do Concretismo, especialmente no que diz respeito à experimentação com a linguagem e à busca por uma expressão mais objetiva e estruturada.

Esses artistas foram fundamentais para o desenvolvimento e a disseminação dos ideais do Concretismo, contribuindo para a consolidação desse movimento como uma das correntes mais importantes da arte brasileira do século XX.

O marco histórico na Arte Concreta no Brasil é o Grupo Ruptura, paulista, que apresentou um manifesto em 1952, Manifesto Ruptura, lançado na exposição do Museu de Arte Moderna de São Paulo.

A ideaia central desse grupo era a de criar novas formas derivadas de novos princicpíos, baseando-se em uma teoria rigorosa. Seus representantes foram: Waldemar Cordeiro, artista e líder do grupo, Geraldo de Barros, Lothar Charoux, Luiz Sacilotto, Anatol Wladyslaw, Kazmer Féjer, e Leopold Haar.

O MAM realizou em 1956, em São Paulo, a I Exposição Nacional de Arte Concreta, ondo foi apresentado pela primeira vez o Manifesto da Poesia Concreta. A intenção desse manifesto era a de conceber o poema como um todo matematicamente planejado.

Nessa mesma época, os conflitos entre os grupos concretistas Ruptura, de São Paulo, e o Frente, do Rio de Janeiro, começaram a surgir. Os artistas paulistas buscavam rigor em suas teorias, enquanto o grupo Frente, sem abrir mão do vocabulário abstrato, buscavam encontrar a liberdade de criação.

Ainda em 1956, em resposta a todos esses conflitos, surgiu o neoconcretismo, cujo manifesto foi apresentado na I Expo Neoconcreta. Seus principais artistas foram Amílcar de Castro, Ferreira Gular, Franz Weissmann, Lygia Clark, Lígia Pape, Reinaldo Jardim e Théon Spanudis.

Análise de obras do Concretismo

Max Bill | Variation 14 (1938)

Em 1934, Max Bill, então nos estágios iniciais da definição do movimento Concrete Art, iniciou uma série de obras de arte baseadas em um simples exercício geométrico.

Ele criou um triângulo equilátero inacabado cujo terceiro lado se projetaria em um ângulo diferente para criar um quadrado, o quarto lado se projetaria em um ângulo diferente para criar um pentágono e assim por diante (potencialmente ad infinitum, embora a fórmula de Bill parasse no octógono).

Esse princípio matemático simples foi usado como base para uma série de litografias que expressavam o conceito de várias maneiras diferentes: por exemplo, criando círculos conectando os cantos implícitos da forma.

Em 1938, ele publicou a série, afirmando em sua introdução às variações que “a arte concreta possui um número infinito de possibilidades”, mesmo que “essas construções sejam desenvolvidas apenas com base em suas condições dadas e sem qualquer tentativa arbitrária de modifique-os “.

Isso resume o espírito da Arte Concreta. Seriam criadas obras de arte que expressariam nada mais do que a lógica de sua própria criação, e ainda dentro dessas rígidas restrições de composição, como Bill disse, “um número infinito de desenvolvimentos muito diferentes pode ser desenvolvido de acordo com a inclinação e o temperamento individuais”.

A série em larga escala foi o veículo principal para essa ideia, e Bill criou muitas obras em série ao longo de sua vida, sendo quinze variações sobre um único tema (1934-38). Esta série em particular também reflete seu grande interesse em combinações de cores.

Max Bill | Endless Ribbon (1953-56)

Bill foi convidado a projetar uma escultura para pendurar acima de uma lareira elétrica, potencialmente para ser girada suavemente pela onda ascendente de ar quente. Ele teve a ideia de uma forma de fita cujos lados opostos se fundiriam, hipnotizados por essa pura evocação visual de um enigma matemático.

Foi somente após a conclusão da obra que os telespectadores o informaram de sua conexão tanto com a faixa de Möbius quanto com o símbolo tradicional da figura de oito do infinito. Também é fácil ver o trabalho falando da recente descoberta da relatividade espaço-temporal, na qual dois aspectos aparentemente separados da realidade foram revelados como intimamente relacionados e interdependentes.

A Arte Concreta na página era definida por obras lúdicas e permutacionais, em três dimensões ela tinha a capacidade de expressar conceitos matemáticos e científicos com uma grandeza mais singular e estática.

Nos últimos anos, artistas sul-americanos como Gyula Kosice avançariam nesse projeto produzindo obras de arte cinética influenciadas pelo espírito do concretismo. A fita sem fim de Bill está na vanguarda de tais avanços, evocando temas atemporais e contemporâneos com uma graça imponente.

Décio Pignatari | “Beba coca-cola”, 1957

Em seu poema “beba coca-cola” , mais conhecido da produção de Décio Pignatari, é possível encontrar algumas características do Concretismo na poesia: a presença de um símbolo da vida moderna, urbana e industrializada, e a troca na ordem das letras do famoso slogan “Beba Coca-Cola”.

O tom do poeta é irônico e crítico, principalmente ao usar letras do nome Coca-Cola para terminar o poema com a palavra “cloaca”, que significa esgoto, ou numa acepção mais ampla, conforme dicionário Houaiss, “tudo que é imundo, que tem mau cheiro”

Veja também:

Fontes:

• Widewalls

• Theartstory

• Itau Cultural