via Prelo
O Futurismo foi um movimento artístico e literário que surgiu no início do século XX, com a publicação do Manifesto Futurista, pelo italiano Filippo Marinetti, nos jornais Gazzetta dell’Emiliano, de Milão, e no Le Figaró, de Paris, em 1909.
Segundo Giulio Argan, em seu livro Arte Moderna, o Futurismo italiano é o primeiro movimento que se pode chamar de vanguarda.
Como veremos a seguir, tratou-se de um movimento de forte cunho ideológico inserido nos campos das artes, anunciando deliberadamente uma subversão radical da cultura e até dos costumes sociais, negando em bloco todo o passado.
As obras do Futurismo baseavam-se fortemente na velocidade e no desenvolvimento tecnológico do final do século XX. Os primeiros futuristas europeus também exaltavam a guerra.
Alguns pintores que aderiram ao movimento futurista foram: Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Giacomo Balla, Gino Severini e Luigi Russolo.
Embora no movimento conste obras arquitetônicas, a maioria de seus artistas trabalharam em mídias tradicionais, como pintura, escultura, design gráfico, design de interiores, cinema, teatro, música, cerâmica ou design industrial.
O estilo foi muito inspirado pelo pós-impressionismo.
A primeira página do jornal francês Le Figaro publicou o “Manifesto Futurista” em 1909 por Filippo Tommaso Marinetti. Com o seu lançamento, o movimento ganhou vida.
O manifesto de Marinetti atacou abertamente a tradição artística e cultural vigente. Ele até pediu a destruição de museus, bibliotecas e do movimento feminista.
Inúmeros manifestos, folhetos, periódicos de arte e poesia foram publicados no período de 1909 a 1944. Sua agenda provocativa se espalhou pelas cidades em todo o mundo, na tentativa de despertar a nova estética condizente com a vida moderna.
O objetivo desses seguidores era conquistar o cenário internacional e abordar as pessoas através de poesia, política, linguagem, entretenimento e arte. O movimento inicialmente se centrou em Milão, mas se espalhou rapidamente para Turim e Nápoles. Logo, o que começou como um chamado para os italianos romperem a obsessão paralisante pelas glórias do passado, rapidamente progrediu para um empreendimento internacional.
Fascinados pela ideia de dinamismo, os futuristas buscavam representar os ritmos e movimentos de um objeto a partir de imagens, poemas e manifestos.
Eles glorificavam a ideia de combinar o humano com a máquina.
É importante lembrar que o contexto era de grandes inovações e transformações tecnológicas na Europa no início do século XX.
Após a década de 20 o movimento perdeu força, principalmente devido aos estragos da Primeira Guerra. Além disso, seus membros passaram a experimentar novos estilos.
Esta pintura comemora o funeral de Galli, um anarquista morto durante a greve. Centenas, incluindo mulheres e crianças, participaram de sua procissão fúnebre, liderada por uma corte de anarquistas.
A pintura captura o momento em que a polícia montada a cavalo atacou a procissão. Carrà estava no funeral e em sua autobiografia posterior escreveu:
“Eu me encontrei de má vontade no centro, diante de mim, vi o caixão, coberto de cravos vermelhos, balançando perigosamente nos ombros dos carregadores; vi cavalos enlouquecerem, paus e lanças se chocando, parecia-me que o cadáver poderia ter caído no chão a qualquer momento e os cavalos o pisariam. Profundamente atingido, assim que cheguei em casa fiz um desenho do que tinha visto”.
O caixão de Galli, envolto em um pano vermelho, é mostrado no centro da tela, erguido por anarquistas, retratado em preto. Eles avançam energicamente em direção a um muro da cavalaria policial à esquerda.
Raios de luz emanam do caixão, iluminando a escuridão, fundindo a massa da humanidade e indicando Galli como o foco da peça, referenciando seu papel na inflamação da violência atual.
O terço superior da pintura é dominado por fortes linhas diagonais com mastros de bandeira, estandartes, lanças e guindastes, sugerindo o aparato de guerra e cerco.
A dançarina, representada no meio da pintura, é composta por uma interseção dinâmica de um turbilhão de linhas e tecidos. Quatro feixes de iluminação do palco focalizam-na, destacando-a como o centro da imagem, enquanto, por outro lado, seus rápidos movimentos rotatórios irradiam em círculos concêntricos para as bordas do plano pictórico.
Cada uma dessas camadas circulares contém imagens fragmentárias de músicos, instrumentos, espectadores e formas que evocam notas musicais, capturando uma essência do espaço em que ela se apresenta.
Severini costumava incorporar elementos 3D em seu trabalho, criando telas que eram um híbrido entre pintura e escultura. Nesta imagem, assume a forma de lantejoulas coladas à pintura, que captam e focalizam a luz e o uso de gesso para construir a superfície da obra em determinadas áreas.
De certa forma, essa técnica torna a imagem mais tangível, proporcionando uma sensação de forma e textura, mas também cria experiências contrastantes para o espectador quando a tela é vista de diferentes ângulos e perspectivas.
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