Fauvismo: uma explosão de cores que chocou os críticos

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Fauvismo, estilo de pintura que se originou na França por volta da virada do século XX, foi um movimento em que os artistas usavam cores puras e brilhantes aplicadas de forma agressiva diretamente dos tubos de tinta para criar uma sensação de explosão na tela.

Os Fauves pintavam diretamente da natureza, como os impressionistas antes deles, mas as obras fauvistas foram acometidas de uma forte reação expressiva aos sujeitos retratados.

Exibidas pela primeira vez formalmente em Paris em 1905, as pinturas fauvistas chocaram os visitantes do Salão anual d’Automne, um desses visitantes foi o crítico Louis Vauxcelles, que, por causa da violência de suas obras, apelidou os pintores de fauves (“bestas selvagens”).

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Artistas que aderiram o estilo fauvista

O líder do grupo era Henri Matisse, que havia chegado ao estilo Fauve depois de experimentar as várias abordagens pós-impressionistas de Paul Gauguin, Vincent van Gogh e Georges Seurat.

Os estudos de Matisse o levaram a rejeitar as representações tradicionais do espaço tridimensional e a buscar um novo espaço de imagem definido pelo movimento da cor. Ele exibiu sua famosa Mulher com o Chapéu (1905) na exposição de 1905.

Nesta pintura, traços rápidos de cores – azuis, verdes e vermelhos – formavam uma visão enérgica e expressiva da mulher. A aplicação de tinta bruta, que deixava expostas áreas de lona crua, era terrível para os espectadores na época.

Os outros grandes fauvistas foram André Derain, que estudou com Matisse em 1898/99, e Maurice de Vlaminck, amigo de Derain. Eles compartilharam o interesse de Matisse na função expressiva da cor na pintura e foram exibidos juntos em 1905.

As pinturas fauvistas de Derain traduzem todos os tons de uma paisagem em cores puras, que ele aplicou com pinceladas curtas e fortes. Os redemoinhos agitados de cores intensas nas obras de Vlaminck são devidos ao poder expressivo de Van Gogh.

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Três jovens pintores de Le Havre, França, também foram influenciados pelo trabalho ousado e vibrante de Matisse. Othon Friesz achou as conotações emocionais das cores vivas do Fauve um alívio do impressionismo medíocre que ele havia praticado, Raoul Dufy desenvolveu uma versão ornamental despreocupada do estilo arrojado, e Georges Braque criou um senso definido de ritmo e estrutura a partir de pequenas manchas de cor, prenunciando seu desenvolvimento do cubismo.

Albert Marquet, colega de Matisse na École des Beaux-Arts na década de 1890, também participou do fauvismo, assim como o holandês Kees van Dongen, que aplicou o estilo em representações da moderna sociedade parisiense. Outros pintores associados aos Fauves foram Georges Rouault, Henri Manguin, Charles Camoin e Jean Puy.

Para a maioria desses artistas, o fauvismo foi um estágio de aprendizado e de transição. Em 1908, um interesse revivido na visão de Paul Cézanne da ordem e estrutura da natureza levou muitos deles a rejeitar o emocionalismo turbulento do fauvismo em favor da lógica do cubismo. Somente Matisse seguiu o caminho que havia sido pioneiro, alcançando um equilíbrio sofisticado entre suas próprias emoções e o mundo que pintou.

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A teoria das cores nas obras fauvistas

No início do século XIX foram desenvolvidas teorias cientificas das cores, que interessavam fortemente os fauvistas – particularmente aquelas relacionadas a cores complementares.

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Cores complementares são pares de cores que aparecem opostas umas às outras em modelos científicos, como a roda de cores, e quando usadas lado a lado em uma pintura, tornam-se mais brilhantes. Característica que você pode encontrar em diversas obras do movimento.

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Resumo e características principais

• Uma das principais contribuições do fauvismo à arte moderna foi seu objetivo radical de separar a cor de seu objetivo descritivo e representacional, e permitir que ele existisse na tela como um elemento independente. A cor pode projetar um clima e estabelecer uma estrutura dentro da obra de arte sem ter que ser fiel ao mundo natural.

• Outra das preocupações artísticas centrais do fauvismo era o equilíbrio geral da composição. As formas simplificadas e as cores saturadas dos Fauves chamavam a atenção para o nivelamento inerente da tela ou papel; dentro desse espaço pictórico, cada elemento desempenhava um papel específico. A impressão visual imediata do trabalho é ser forte e unificada.

• Acima de tudo, o fauvismo valorizava a expressão individual. A experiência direta do artista com seus assuntos, sua resposta emocional à natureza e sua intuição eram todas mais importantes que a teoria acadêmica ou o assunto elevado. Todos os elementos da pintura foram empregados a serviço desse objetivo.

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Análise de obras fauvistas

Henri Matisse | Luxe, Calme et Volupte (1904)

Este trabalho inicial de Matisse indica claramente as influências estilísticas do artista, principalmente o pontilhismo de Georges Seurat e o divisionismo de Paul Signac, no uso de pequenas pinceladas de cor para criar um frisson visual.

O que diferencia esse trabalho desses métodos mais rígidos, no entanto, são as intensas concentrações de cores puras de Matisse. Os laranjas, amarelos, verdes e outras cores mantêm seus próprios lugares discretos no plano da imagem, nunca se fundindo para formar a tonalidade harmoniosa pela qual Seurat e Signac eram conhecidos e, em vez disso, aumentam o efeito quase vertiginoso criado pelos pontos marcantes de tinta.

Matisse recebeu o título deste trabalho, que se traduz como “luxo, paz e prazer”, do poema de Charles Baudelaire, L’Invitation au Voyage (Convite para uma viagem).

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Maurice de Vlaminck | The River Seine at Chatou (1906)

Essa cena mostra a parte do Sena que atravessa Chatou, subúrbio de Paris, onde Vlaminck e Derain dividiram um estúdio a partir de 1901. Para o rio Sena, de Vlaminck usou impasto (uma técnica praticada por muitos fauves): manchas grossas de tinta aplicado diretamente a partir do tubo, depois escovado em movimentos curtos para criar o efeito do movimento.

Para a água e o céu, De Vlaminck usava uma variedade de azuis e verdes, além de reflexos brancos deslumbrantes aplicados em pinceladas irregulares; as duas árvores vermelhas e laranjas à esquerda fornecem um contraste animado. O efeito final é de brilho e movimento vibratório, os detalhes e a perspectiva tradicional importam muito menos do que a sensação de prazer flutuante. Como disse Vlaminck: “tento pintar com o coração e a barriga sem me preocupar com estilo”.

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Henri Matisse | La Danse (1910)

La Danse e Musique foram dois dos últimos trabalhos fauvistas de Matisse, o culminar de seu trabalho nesse estilo. Essas telas em larga escala foram encomendadas pelo comerciante russo Sergei Shchukin, um dos principais patrocinadores da arte de vanguarda naquele período.

O arranjo das figuras em uma dança circular é um motivo de séculos de idade, frequentemente usado para sugerir uma idade de ouro da harmonia e do lazer. No entanto, simplificando e distorcendo a anatomia de seus dançarinos para fins expressivos e pintando-os de um vermelho vibrante e não naturalista contra um terreno plano de céu azul e terra verde, Matisse enfatizou o aspecto primordial da dança. As extremidades das figuras roçam as bordas da composição, como se seu dinamismo mal estivesse contido pela tela.

Quando foi exibida pela primeira vez publicamente, no Salon d’Automne de 1910, La Dance intrigou e chocou o público.

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Veja também

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Fontes:

• https://www.theartstory.org/movement
• https://www.tate.org.uk/art
• https://www.britannica.com/biography