Transarquitetonica (2014). Museu de Arte Contemporânea, São Paulo. Materiais: madeira, tijolos, lama, bambu, PVC, madeira compensada, galhos de árvores e outros materiais. Dimensões: 5 x 18 x 73 m. Foto: Everton Ballardin
Instalação de arte é um termo geralmente usado para descrever obras tridimensionais inseridas em espaços específicos.
Trata-se de uma categoria artística projetada para ter um relacionamento específico, temporário ou permanente, com seu ambiente espacial em um nível arquitetônico, conceitual ou social.
Muitas vezes, as ideias por trás de uma instalação e as respostas que ela suscita tendem a serem mais importantes do que a qualidade de seu meio ou de sua técnica.
Uma instalação artística prioriza a comunicação de um conceito (como os objetos ali expostos dialogam com o espaço e as reflexões que se desdobram a partir disso).
A apreciação estética, normalmente, fica para o segundo plano
Os artistas de instalação estão preocupados em tornar a arte um conceito menos isolado.
Cada vez mais, busca-se instalar os trabalhos fora das galerias e museus. Além disso, os objetos utilizados são cada vez mais utilitários (usados principalmente no cotidiano).
Isso vem ampliando o sentido do que é ou deixa de ser uma obra de arte.
Como a arte de instalação é difícil de colecionar e vender, essa categoria atua de forma contrária à transformação do objeto artístico numa mercadoria.
Além disso, a comercialização gera o seguinte debate: uma instalação temporária pode ser reconstruída e vendida infinitamente sem perder seu valor intrínseco e conceitual?
As obras de arte abaixo são as mais importantes em Arte de Instalação. Elas visam as principais ideias do movimento e destacam as maiores conquistas de cada artista do ramo.
Duchamp surpreendeu o mundo da arte com este quadro tridimensional, já que a maioria acreditava que ele havia decididamente se retirado da produção de arte quase um quarto de século antes de sua obra final ser revelada.
A peça foi descrita pelo artista Jasper Johns como “a mais estranha obra de arte já vista em qualquer museu”. Pelo menos até aquela época, foi.
Imagine espreitar através de dois orifícios em uma porta de madeira para encontrar uma mulher nua na frente de uma paisagem pintada. Ao elaborar uma experiência de voyeurismo, em vez de simplesmente mostrar uma pintura tradicional de nudez na parede, Duchamp forçou o espectador a um senso de cumplicidade.
Somente uma pessoa de cada vez poderia espreitar, tornando esta uma experiência muito envolvente e criando um encontro íntimo com o enigmático habitante da obra.
Énant Donnés é a última grande obra de arte de Marcel Duchamp, que havia surpreendido o mundo da arte por ter desistido da carreira para jogaro xadrez profissionalmente (ele jogou por quase 25 anos, após uma prolífica carreira artística).
Este trabalho é um tableau (cena escandalosa), visível apenas através de um par de olhos mágicos (um para cada olho) em uma porta de madeira com uma mulher nua deitada de costas com o rosto escondido, as pernas abertas, segurando uma lâmpada à gás no ar em uma mão contra um cenário de paisagem.
O trabalho é composto de uma velha porta de madeira, pregos, tijolos, latão, folha de alumínio, grampos de aço, veludo, folhas, galhos, uma figura de mulher feita de papel pergaminho, cabelo, vidro, prendedores de roupa, tinta a óleo, linóleo, uma variedade de luzes, uma paisagem composta de elementos pintados à mão/fotografados e um motor elétrico alojado em uma lata de biscoito que gira um disco perfurado.
A escultora brasileira Maria Martins, namorada de Duchamp de 1946 a 1951, serviu de modelo para a figura feminina na peça, e sua segunda esposa, Alexina (Teeny), serviu de modelo para o braço da figura.
Duchamp preparou um “Manual de Instruções” explicando e ilustrando como montar e desmontar a peça. A obra faz parte do Museu de Arte da Filadélfia
The Dinner Party é uma obra de instalação da artista feminista Judy Chicago. Ela é considerada a primeira obra de arte feminista épica, funciona como uma história simbólica das mulheres na civilização.
Existem 39 elaborados locais dispostos ao longo de uma mesa triangular para 39 mulheres famosas míticas e históricas. Sacajawea, Sojourner Truth, Eleanor da Aquitânia, Imperatriz Teodora de Bizâncio, Virginia Woolf, Susan B. Anthony e Georgia O’Keeffe estão entre as convidadas simbólicas.
Cada local exclusivo inclui um prato de porcelana pintada à mão, talheres e cálice de cerâmica e um guardanapo com uma borda dourada bordada. Cada placa, exceto as que correspondem a Sojourner Truth e Ethel Smyth, retrata uma forma de vulva brilhantemente colorida e de estilo elaborado.
As configurações repousam sobre corredores elaboradamente bordados, executados em uma variedade de estilos e técnicas de bordado. A mesa de jantar fica no The Heritage Floor, composto por mais de 2.000 azulejos em forma triangular de brilho branco, cada um inscrito em roteiros de ouro com o nome de uma das 998 mulheres e um homem que fez uma marca na história. (O homem, Kresilas, foi incluído por engano como se pensava que fosse uma mulher chamada Cresilla.)
Foi produzido de 1974 a 1979 como uma colaboração e foi exibido pela primeira vez em 1979. Posteriormente, apesar da resistência do mundo da arte, visitou 16 locais em seis países em três continentes para uma audiência de 15 milhões de pessoas.
Foi retirado para armazenamento até 1996, pois estava começando a sofrer com viagens constantes. Desde 2007, está em exposição permanente no Centro de Arte Feminista Elizabeth A. Sackler, no Brooklyn Museum, em Nova York.
The Wall Drawing #260 de Sol LeWitt é uma das centenas de desenhos de parede iniciados em 1969, que o artista continuou a produzir durante toda a sua prolífica carreira.
LeWitt não só criaria um desenho para um local específico, como também manteria instruções detalhadas sobre sua composição para que outros pudessem duplicá-lo em outros espaços, mesmo depois de sua morte.
Mesmo que os desenhos de parede de LeWitt sejam efêmeros e infinitamente replicados, a ideia por trás de sua concepção inicial permanece intacta.
Esta linha de trabalho inaugurou uma nova relação entre os espaços de desenho e de arquitetura, promovendo a especificidade do local da arte de instalação.
Ao reivindicar paredes inteiras, os desenhos de LeWitt responderam aos espaços que ocupavam e incluíam os espectadores no trabalho que alternavam entre a simetria suave e a aleatoriedade deslumbrante.
Esses desenhos também foram inclusões radicais no cânone da arte da instalação porque desafiaram a preciosidade e a permanência esperadas da arte. Elas nascem no conceitualismo e são realizadas com ferramentas simples.
Eles não estão confinados à mão dos artistas originários e podem ser duplicados em múltiplas configurações ad infinitum.
My Bed, de Tracey Emin, inspirou tanto vitríolo quanto aclamado pela crítica ao longo dos anos. A instalação foi uma apresentação autobiográfica literal; o resultado de quatro dias deprimidos e acamados durante os quais Emin acumulava detritos ao redor de sua cama, como preservativos usados, roupas íntimas manchadas de sangue e garrafas vazias.
A peça, que a artista produziu após um colapso traumático da relação, foi rotulada de auto-absorvida e delirante por alguns, seminal e inspirada por outros.
A única coisa que críticos e entusiastas podem concordar é que My Bed mudou para sempre o curso da arte da Instalação com seu realismo flagrante. Tomando sua cama real e exibindo-a como arte, Emin promoveu o desenvolvimento da preocupação do movimento em trazer uma experiência mais íntima para o espectador.
O retrato visualmente narrativo da vida de Emin na época e sua natureza sincera criaram uma atmosfera envolvente que eloquentemente evocou experiências genuínas.
Os membros da plateia podem estremecer de repulsa pela cena da devassidão pessoal ou se deixar culpados com o conhecimento de que todos guardamos nossa própria roupa suja.
Essa peça também se distanciou resolutamente da arte representacional, pois ela se revelou em sua mundanidade e recusou-se a representar quaisquer preocupações mais elevadas. A obra faz parte da Coleção Duerckheim.
Christo completou The London Mastaba, uma escultura de 20 metros de altura que flutua no lago Serpentine, em Londres, que representa a determinação de sua esposa e falecida Jeanne-Claude em tornar a arte livre.
Com base nas formas trapezoidais de mastaba, uma palavra árabe para bancada dada a túmulos egípcios e assentos encontrados fora de casas na antiga Mesopotâmia, a escultura temporária é a realização do sonho compartilhado da dupla artística de criar uma versão flutuante de uma forma que os fascinam por meio século.
O London Mastaba, que é feito de 7.506 barris pintados presos a andaimes e ancorados no lago, foram totalmente auto-financiado e puderam ser visto por todos. Esta não é a mais significativa obra de Christo, mas uma das mais recentes e foi feita em homenagem a Jeanne-Claude morta em 2009.
Christo and Jeanne-Claude representam os maiores ícones do Land Art e instalações de arte.
Composta por uma vasta membrana de PVC esticada entre as duas elipses gigantes de aço, o trabalho de Kapoor é arquitetônico, no entanto, também tem uma qualidade carnosa, que o artista descreve como “mais ou menos como uma pele esfolada”.
A membrana vermelha escura que este trabalho compartilha com duas obras temporárias anteriores encomendadas para o Centro BALTIC de Arte Contemporânea e o Turbine Hall da Tate Modern (refere-se a Joana d’Arc). Kapoor comentou: “Eu quero transformar o corpo em céu”. Na fazenda ele consegue isso.
Aqui, o artista teve que inventar uma forma que fosse autônoma e capaz de sobreviver a uma luta constante com o céu e as condições meteorológicas impiedosas.
Com suas instalações em grande escala, o artista conceitual Ernesto Neto explora as construções do espaço social e do mundo natural convidando a interação física e a experiência sensorial.
Em 2018, ele colaborou com a Fondation Beyeler para criar o Gaia Mother Tree, uma estrutura de crochê que se enraizou em Zurique na estação central.
Este trabalho imersivo convida os membros do público a entrarem em seu velame e escaparem da agitação da estação. Uma vez lá dentro, eles podem observar a peça de uma nova perspectiva e experimentar outra camada interativa da instalação: o cheiro.
Os “ramos” da árvore são pesados com sacos de especiarias. À medida que os fragrantes aromas de cúrcuma, cravo, cominho e pimenta-preta flutuam no ar, os espectadores são convidados – e lembrados – a respirar fundo.
“A ideia é desacelerar nosso tempo, para termos tempo para respirar e sentir a vida dentro de nós. Este trabalho é sobre intimidade.”
As árvores são cortadas e transformam-se em lâminas de madeira, que são montadas em tapumes, usadas em obras e descartadas. O artista brasileiro Henrique Oliveira decidiu completar o ciclo e dar a chance desses pedaços de madeira voltarem a ser árvore, ou quase isso.
A instalação Transarquitetônica, construída em uma das salas do Museu de Arte Contemporânea, em São Paulo, é mais que uma estrutura no formato de raízes e galhos, mas, como o próprio artista diz, uma experiência de cheiro, de textura e de forma.
Ela consiste em túneis revestidos com a madeira de tapumes abandonados por onde visitantes podem andar e explorar o espaço. Vista de cima, a instalação traz a tortuosidade das raízes e troncos. Mais do que uma peça de arte, uma experiência imersiva e curiosa por cavernas de tapume.
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