Der Blaue Reiter (1903) Artista: Wassily Kandinsky Óleo sobre tela
O Expressionismo foi um movimento artístico e cultural de vanguarda, que surgiu na Alemanha no início do século XX.
Ele se manifestou através da pintura, no mesmo período do fauvismo francês, que tornaram ambos os movimentos artísticos representantes das chamadas “vanguardas históricas”.
Mais do que um estilo com características em comum, o Expressionismo é sinônimo de um amplo movimento heterogêneo, de uma atitude e de uma nova forma de entender a arte, que juntou diversos artistas de várias tendências e formações.
O movimento surgiu como uma reação ao positivismo, associado aos movimentos impressionista e naturalista, propondo uma arte pessoal e intuitiva, que predominasse a visão interior do artista — a “expressão” — em oposição à mera observação ou cópia da realidade
O expressionismo apresenta a deformação da realidade para expressar de forma subjetiva a natureza e o ser humano, dando prioridade à expressão de sentimentos em relação à simples descrição objetiva da realidade.
Entendido desta forma, o expressionismo não tem uma época ou um espaço geográfico definidos, e pode mesmo classificar-se como expressionista a obra de autores tão diversos como o holandês Piet Zwiers, Matthias Grünewald, Pieter Brueghel, o Velho, El Greco ou Francisco de Goya.
Alguns historiadores, de forma a estabelecer uma distinção entre termos, preferem o uso de “expressionismo” — em minúsculas — como termo genérico, e “Expressionismo” — com inicial maiúscula — para o movimento alemão.
A Primeira Guerra Mundial (conhecida como “Grande Guerra” até o inicio da Segunda Guerra ) foi uma guerra global centrada na Europa, que começou em 28 de julho de 1914 e durou até 11 de novembro de 1918.
Através de uma paleta cromática marcada e agressiva e do recurso às temáticas da solidão e da miséria, o expressionismo é um reflexo da angústia e ansiedade que dominavam os círculos artísticos e intelectuais da Alemanha durante os anos anteriores à Primeira Guerra Mundial (1914-1918) e que se prolongaria até ao fim do período entre-guerras (1918-1939).
A angústia que suscitou um desejo veemente de transformar a vida, de alargar as dimensões da imaginação e de renovar a linguagem artística.
O expressionismo defendia a liberdade individual, subjectividade, o irracionalismo, o arrebatamento e os temas proibidos — o excitante, diabólico, sexual, fantástico ou perverso.
Pretendeu ser o reflexo de uma visão subjectiva e emocional da realidade, materializada através da expressividade nos meios plásticos, que adquiriram uma dimensão metafísica, abrindo os sentidos ao mundo interior.
Muitas vezes visto como genuína expressão da alma alemã, o seu carácter existencialista, o seu anseio metafísico e a sua visão trágica do ser humano são características inerentes a uma concepção existencial aberta ao mundo espiritual e às questões da vida e da morte.
Fruto das peculiares circunstâncias históricas em que surge, o expressionismo veio revelar o lado pessimista da vida e a angústia existencialista do indivíduo, que na sociedade moderna, industrializada, se vê alienado e isolado.
O expressionismo não foi um movimento homogéneo, coexistindo vários polos artísticos com uma grande diversidade estilísticas:
Embora o seu maior polo de difusão se encontrasse na Alemanha, o expressionismo manifestou-se também por meio de artistas provenientes de outras partes da Europa como Modigliani, Chagall, Soutine ou Permeke, e no continente americano como, por exemplo, os mexicanos Orozco, Rivera, Siqueiros e o brasileiro Portinari.
Na Alemanha existiram dois grupos dominantes: Die Brücke (fundado em 1905) no qual Anita Mafaldi teve contato, e Der Blaue Reiter (fundado em 1911), embora tenha havido artistas independentes e não afiliados com nenhum dos grupos.
Depois da Primeira Guerra Mundial surge a Nova Objetividade que, embora tenha sido uma reação ao individualismo expressionista e procurasse a função social na arte, a sua distorção das formas e o seu intenso colorido fazem do grupo um herdeiro directo da primeira geração expressionista.
A chegada do expressionismo anunciou novos padrões na criação e julgamento do art.
A arte agora deveria vir de dentro do artista, e não de uma representação do mundo visual externo, e o padrão para avaliar a qualidade de uma obra de arte tornou-se o caráter dos sentimentos do artista, em vez de uma análise da composição.
Os artistas expressionistas frequentemente empregavam pinceladas fortes, oscilantes e exageradamente executadas na representação de seus sujeitos.
Essas técnicas visavam transmitir o estado emocional túrgido do artista reagindo às ansiedades do mundo moderno.
Através do seu confronto com o mundo urbano do início do século XX, os artistas expressionistas desenvolveram um poderoso modo de crítica social em suas serpentinas representações figurativas e cores ousadas.
Suas representações da cidade moderna incluíam indivíduos alienados – um subproduto psicológico da recente urbanização – bem como prostitutas, que costumavam comentar o papel do capitalismo no distanciamento emocional dos indivíduos dentro das cidades.
As obras de arte que selecionamos são consideradas mais importantes no Expressionismo – que revisam as principais ideias do movimento e destacam as maiores conquistas de cada artista no Expressionismo.
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Ao longo de sua carreira artística, Munch se concentrou em cenas de morte, agonia e ansiedade em retratos distorcidos e emocionalmente carregados, todos os temas e estilos que seriam adotados pelos expressionistas.
Aqui, na pintura mais famosa de Munch, ele descreve a batalha entre o indivíduo e a sociedade.
O cenário do Grito foi sugerido ao artista enquanto caminhava por uma ponte com vista para Oslo; como Munch recorda, “o céu ficou vermelho como sangue.
“Parei e encostei-me à cerca … tremendo de medo. Então ouvi o enorme e infinito grito da natureza.”
Embora Munch não tenha observado a cena como traduzida em sua pintura, O Grito evoca a emoção do encontro e exibe uma ansiedade geral em relação ao mundo tangível.
A representação da resposta emocional do artista a uma cena formaria a base das interpretações artísticas dos expressionistas.
O tema da alienação individual, tal como representado nesta imagem, persistiria ao longo do século XX, cativando os artistas expressionistas como uma característica central da vida moderna.
Esta tela inovadora é uma imagem ilusoriamente simples – um cavaleiro solitário correndo em uma paisagem – mas representa um momento decisivo na linguagem pictural em desenvolvimento de Kandinsky.
Aqui, a encosta banhada pelo sol revela um grande interesse em contrastes de luz e escuridão, bem como movimento e quietude, todos os temas principais em toda a sua obra.
Constituindo uma ligação entre o pós-impressionismo e os florescentes movimentos expressionistas, a tela de Kandinsky tornou-se o emblema das possibilidades expressivas adotadas pela vanguarda de Munique.
Este é o trabalho homônimo do qual o coletivo derivou seu nome em 1911.
Os estimados historiadores de arte Hans Tietze e Erica Tietze-Conrat encomendaram este retrato de Kokoschka para a sua colecção de arte.
O fundo colorido e os gestos concentrados das figuras representam o casal como “personalidades fechadas, tão cheias de tensão”, como o artista uma vez as chamou.
Como em muitos de seus retratos, Kokoschka concentra-se no drama interior de seus sujeitos, aqui, usando as mãos nervosas do casal como um ponto focal de sua ansiedade. Sua interpretação retrata a maneira como o artista percebeu a psique do casal, não necessariamente suas aparências físicas e naturalistas.
A representação emocional de Kokoschka é emblemática do estilo expressionista.
As cores abstratas e rodopiantes que obscurecem o fundo e surgem ao redor delas são características das representações frenéticas e profundas de Kokoschka do espaço ao longo de sua obra.
O pintor, gravador e aquarelista Franz Marc era um membro fundamental de Der Blaue Reiter e é conhecido por seu uso do simbolismo animal. Essa tela pertencia a uma série de obras centradas no tema dos cavalos, que ele considerava emblemas de renovação espiritual.
As cores exuberantes, o fraturamento do espaço e as formas geométricas mostram a influência do cubismo e do orfismo de Robert Delaunay. No entanto, enquanto Marc foi influenciado por seus contemporâneos, sua ênfase em assuntos fantásticos derivados do mundo material, como os cavalos azuis dessa pintura de 1911, é única em sua prática.
Para o artista, o afastamento da representação realista representava uma virada para o espiritual, o emocional e o autêntico.
Tal como acontece com muitos expressionistas, a cor era mais simbólica do que descritiva para Marc. Ele recorreu às qualidades emotivas de sua paleta para transmitir sua visão das feras azuis espirituais.
Depois de co-fundar o Die Brücke em Dresden, Schmidt-Rottluff mudou-se para a florescente cidade de Berlim, onde ele pintou esta renderização abstrata de um quarteirão da cidade.
Os prédios se dividem em ângulos estranhos sobre uma rua sinistramente vazia, evocando a alienação da sociedade urbana moderna. Embora Schmidt-Rottluff tenha pintado Houses at Night, a influência da impressão em xilogravura é clara; as formas abstratas e minimalistas têm uma qualidade gritante e gráfica semelhante às muitas obras de blocos de madeira do artista.
Aqui, as cores brilhantes se somam às formas primitivas da tela, impregnando a cena com um sentimento subjacente de desconforto e estranhamento.
A intrigante inquietação era a essência do reino moderno e urbano dos expressionistas. A virada para formas recortadas e uma paleta luminosa e ácida enfatizavam a interpretação individual e vanguardista da cena de rua pelo artista.
Schiele, uma das figuras centrais do expressionismo austríaco, é conhecido por suas representações dissonantes e muitas vezes grotescas da sexualidade manifesta. Aqui, Schiele desenha sua esposa, Edith Schiele, parcialmente vestida, seu corpo contorcido em uma posição não natural.
Sua expressão ousada e intensa assertivamente confronta o espectador e contradiz diretamente os padrões artísticos da beleza feminina passiva. Apesar de descaradamente polêmico durante toda a sua vida, Schiele foi reconhecido por sua destreza habilidosa e seu uso de linhas sinuosas para evocar a decadência e devassidão da Áustria moderna.
A qualidade emotiva da linha de trabalho e cor de Schiele coloca-o firmemente no movimento expressionista. Ele fazia imagens como ele as interpretava, não como elas apareciam para o mundo exterior.
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