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Quais são as 10 melhores pinturas de Johannes Vermeer? 

Por Equipe Editorial - janeiro 20, 2025
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Johannes Vermeer, nascido em 1632 e falecido em 1675, foi um dos maiores nomes da pintura barroca e é amplamente reconhecido por suas obras que capturam com delicadeza a luz, a intimidade e a serenidade da vida cotidiana. Natural de Delft, na Holanda, Johannes Vermeer produziu um número relativamente pequeno de pinturas ao longo de sua carreira – apenas 35 obras sobreviventes – mas cada uma delas é marcada por uma técnica refinada e uma atenção meticulosa aos detalhes. Seu legado é celebrado por retratar cenas domésticas, figuras femininas contemplativas e paisagens interiores com uma maestria que continua a encantar gerações de amantes da arte e estudiosos.

Suas obras relevam uma beleza silenciosa, que comprovam sua técnica meticulosa e maestria da luminosidade, e sua habilidade de imbuir cenas íntimas do cotidiano com uma profundidade emocional.

Embora Vermeer tenha desfrutado de um fluxo de caixa decente com a venda de sua arte durante sua vida, ele trabalhou lentamente. A maioria de seus clientes eram familiares, amigos e outros moradores locais. Após uma crise financeira em 1672, ele foi forçado a leiloar a maioria de seus bens terrenos para pagar dívidas crescentes. Ele foi quase esquecido pelo mundo da arte nos anos após sua morte em 1675. Sua obra mais famosa, Moça com Brinco de Pérola, foi vendida por apenas dois florins em um leilão em 1881.

Hoje, é claro, Vermeer é a própria definição de realização de Velho Mestre. Mas qual é seu melhor trabalho? Abaixo, oferecemos nossa opinião subjetiva sobre o que os torna excelentes — e por que Garota com Brinco de Pérola não é, de fato, o melhor Vermeer de todos os tempos.

10. A Rendeira (1669–70)

Johannes Vermeer, A rendeira (1666–68). Coleção do Museu do Louvre, Paris.

Representando uma mulher em profunda concentração, curvada sobre seu trabalho artesanal com bilros e alfinetes nas mãos, The Lacemaker é uma raridade na obra de Vermeer. É sua menor obra, medindo diminutas nove por oito polegadas, e apenas uma das duas pinturas que ele já fez em painel de madeira (a outra é Girl with a Red Hat ).

É, claro, adorável. Mas o que o coloca no fundo do nosso ranking é a iluminação muito estranha, incomum para um artista conhecido pelo comando da luminescência.

“Em Lacemaker a luz se organiza de maneiras conflitantes, tanto no nível de sua renderização em tinta quanto no nível de percepção”, aponta a historiadora de arte Kathryn A. Tuma em um ensaio sobre a pintura. “Enquanto no reino visual do cotidiano isso não seria necessariamente um problema, já que nossa visão tem pouca dificuldade em acomodar múltiplas fontes de luz, em uma imagem pintada tais ambiguidades brincam com nossa capacidade de reconhecer uma imitação persuasiva de um espaço ilusionista.”

9. A Alcoviteira (1656)

Johannes Vermeer, A Procuradora (ca. 1656). Coleção da Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden.

Representando uma cena do chamado “amor mercenário”, também conhecido como trabalho sexual, esta pode ser a pintura mais obscena de Vermeer. Na verdade, estava tão fora da norma para Vermeer que muitos duvidaram que ele realmente a tenha pintado, embora os estudiosos suspeitem que o músico na extrema esquerda seja um possível autorretrato.

Também traz a assinatura de Vermeer. O que falta, no entanto, é sua assinatura de finesse de iluminação: três das quatro figuras são amplamente lançadas em uma penumbra escura, enquanto a cortesã é banhada por uma luz forte e brilhante que ilumina grosseiramente suas bochechas excessivamente pintadas de vermelho.

Concedido, pode-se argumentar que esse efeito de iluminação atípico tem um propósito, assim como o historiador Edward Snow. Falando do homem meio iluminado que procura a prostituta, Snow escreve em seu livro A Study of Vermeer : ​​“Ele trabalha como uma figura transicional: mediando entre a figura envolta e a mulher, construindo uma ponte entre as regiões de escuridão e luz, cruzando o mundo de seus companheiros, seu rosto ainda meio sombreado, para desfrutar de sua presença brilhante, não um invasor, mas uma barreira protetora ao interesse obscuro nela.”

8. Moça com Brinco de Pérola (1665)

Johannes Vermeer
Johannes Vermeer, Moça com Brinco de Pérola (ca. 1665) é encontrado no Mauritshuis, Haia, Holanda. Foto: VCG Wilson / Corbis via Getty Images.

Moça com Brinco de Pérola é uma das pinturas mais icônicas de Vermeer — e uma das pinturas mais famosas do mundo inteiro. Realmente, é uma pintura incrível. Só não é a melhor de Vermeer.

De fato, parte dos encantos da Garota, quando você abstrai de toda a lenda ao redor dela, é o quão menor e livre de simbolismo narrativo ela é, ressoando com uma estética instantânea contemporânea. Enquanto um romance e tanto foi construído em torno da misteriosa jovem mulher em seu centro, Garota com Brinco de Pérola era parte de um gênero agora esquecido chamado “tronie” — isto é, uma imagem não concebida como um retrato, mas simplesmente para ilustrar um tipo de estoque.

O visual casual, por cima do ombro, da modelo que dá tanta personalidade ao trabalho é, na verdade, uma pose padrão usada por pintores holandeses para transmitir profundidade tridimensional. O chapéu extravagante, que dá uma sensação de romance, é um enfeite deliberado; o brinco de pérola é, essencialmente, uma bijuteria.

Esse fundo preto ousado, que combina muito bem com uma estética de estúdio fotográfico atual, era na verdade um tropo que Vermeer costumava evitar. Por quê? Porque o obcecado por luz Vermeer era bem conhecido por silhuetar figuras contra paredes brancas, o que lhe permitia o jogo de sombras matizado pelo qual ele é tão reverenciado. De acordo com o curador da National Gallery Arthur K. Wheelock Jr., entre os principais estudiosos de Vermeer, Moça com Brinco de Pérola é uma das duas únicas obras que o artista fez com um fundo comparativamente escuro; a outra é Retrato de uma Jovem Mulher , feita na mesma época.

7. Mulher de azul lendo uma carta (1662–65)

Johannes Vermeer
Johannes Vermeer, Mulher de Azul Lendo uma Carta (ca. 1663). Rijksmuseum, Amsterdã.

Projetada em uma penumbra sombria que lembra a seda azul de seu sobretudo, uma mulher está de pé lendo uma carta, seus lábios ligeiramente separados, como se tivesse sido pega de surpresa pelo que leu. Muitos acreditam que o mapa pendurado na parede atrás dela sugere um amante distante por quem ela suspira (ou sofre). É uma maneira maravilhosamente sugestiva de abrir esta imagem estática para uma narrativa maior.

Não perca, também, como a iluminação da imagem também conta uma história, como Wheelock aponta : “A luz vem de duas fontes, criando sombras primárias e secundárias suavemente difusas na parede ao lado da cadeira atrás da mesa. Com suas qualidades ópticas de luz consciente, Vermeer manipula o fluxo de luz de forma bastante arbitrária por razões composicionais. Por exemplo, enquanto a cadeira e o mapa projetam sombras, a mulher, que parece estar bem perto da parede, não o faz. Vermeer, portanto, a separa da estrutura temporal da sala e, no processo, aumenta a sensação de permanência que tanto permeia a cena.”

A força da obra é sua gravidade emocional crua. Mas falta-lhe o simbolismo de bravura de alguns dos outros interiores de Vermeer, o que explica por que não está mais alto em nossa lista.

6. A Pequena Rua (1657–61)

Johannes Vermeer
Johannes Vermeer, Vista de casas em Delft, conhecida como ‘A pequena rua’ (c. 1658). Cortesia do Rijksmuseum, Amsterdã.

Esta representação dos acontecimentos em um beco de Delft é decididamente prosaica à primeira vista, e provavelmente não tem o toque de drama humano que The Procuress ou Woman in Blue Reading a Letter têm a oferecer. Na verdade, seu assunto é tão pouco romântico quanto possível.

Você tem que olhar atentamente para entender o que há muito tempo é elogiado sobre a pintura: seus detalhes intensamente renderizados. De fato, a intimidade nítida dos detalhes arquitetônicos parece tão vividamente renderizada que o debate se acirrou sobre se o beco em questão é um lugar real ou uma composição.

Em nossa mente, provavelmente não é uma coincidência que duas das figuras sejam perfeitamente emolduradas por portas, como se fossem molduras de quadros reais, dando uma sensação de elevação artística a esse assunto cotidiano. E como Anthony Bailey argumentou em seu livro sobre Vermeer , a imagem das mulheres fazendo o trabalho diário e rotineiro de manter seu mundo se combina com os detalhes arquitetônicos para somar uma mensagem maior: “O tempo, parado por este instante e, portanto, em um sentido para a eternidade, parece ser seu assunto essencial. Seu desgaste é visível nos tijolos e na argamassa, o tecido de fato que sustenta sem rodeios nessa tênue e temporária posse da existência com suas muitas perguntas sem resposta, como ‘O que estamos fazendo aqui?’”

Para ser justo, esse significado que leva um tempinho para ser compreendido, então essa pintura não está no nosso top cinco.

5. A Leiteira (1654–58)

Johannes Vermeer
Johannes Vermeer, A Leiteira (1660). Cortesia do Rijksmuseum, Amsterdã

A Leiteira fica bem no meio do nosso ranking, o que é adequado porque é frequentemente considerado um ponto de virada entre os estilos inicial e maduro de Vermeer.

A cena parece quase fotográfica, e muitos estudiosos supõem que foi nessa época que Vermeer começou a incorporar tecnologia de captura de imagens em sua prática para entender melhor os efeitos da luz, conforme observado por H. Perry Chapman em seu ensaio “ Mulheres na casa de Vermeer: ​​mimese e ideação ”. “O manuseio da tinta em A Leiteira , especificamente a luz brilhante no pão crocante, e suas cores saturadas foram tomadas como evidência do estudo quase científico de Vermeer sobre a visão e os efeitos da câmera escura”, ela escreve.

Os efeitos são ótimos: em uma cozinha suavemente iluminada, uma empregada despeja leite em uma bacia; o balcão está cheio de pão, cujas crostas (junto com sua testa brilhante) são suavemente destacadas pela luz do sol. Vermeer não depende mais de um claro-escuro áspero para criar essa luminescência matizada. Em vez disso, essa orquestração virtuosa de luz e cor é alcançada por meio do uso de cores primárias alternadas e zonas de luz e sombra.

4. Mulher segurando uma balança (1662–65)

Johannes Vermeer
Johannes Vermeer, Mulher Segurando uma Balança (c. 1664). National Gallery of Art, Washington, Coleção Widener

Criada bem no período maduro de Vermeer, a composição e a iluminação desta pintura são soberbamente, bem, equilibradas. Uma mulher vestida com uma jaqueta azul com acabamento em pele está em pé em uma mesa em um canto de uma sala escura. Um suave raio de sol de uma janela à esquerda corta diagonalmente a pintura, destacando suas mãos, que seguram uma balança em equilíbrio enquanto ela pesa suas joias espalhadas sobre a mesa.

O equilíbrio entre claro e escuro nesta pintura é mais do que apenas visualmente agradável, no entanto — significa algo, que é o que realmente a coloca em nosso nível superior. Vermeer usa contraste aqui para contar uma história de vaidade e virtude, prazeres mundanos e moralidade divina, e é por isso que Mulher Segurando uma Balança está no número quatro.

Em seu livro, A Study of Vermeer , Edward Snow decompõe o simbolismo: “Uma grande pintura barroca do Juízo Final está pendurada conspicuamente na parede dos fundos da sala, situando a mulher dentro de um quadro de referência apocalíptico e contrapondo seu gesto. A luz que a ilumina irrompe na pintura de cima, cercando-a com o que à primeira vista pode parecer sombras ameaçadoras e invasoras… Contra a violenta agitação barroca da pintura atrás dela, a mulher afirma uma calma tranquila e imperturbável, a quintessência da visão de Vermeer.”

3. A moça com o chapéu vermelho (1665–66)

Johannes Vermeer
Johannes Vermeer, Garota com chapéu vermelho (ca. 1665-67). Foto cortesia da National Gallery of Art, Washington.

Como Moça com Brinco de Pérola , e uma das menores obras de Vermeer para começar. Atualmente na coleção da National Gallery of Art, ele compartilha muito com seu primo mais famoso, do olhar por cima do ombro ao traje fantasioso. Por que ele está no topo da nossa lista, então?

Por um lado, todos os detalhes — desde aquele dramático pedaço de luz no rosto até a maneira como todas as texturas se destacam umas das outras — realmente se encaixam. Vemos Vermeer fazendo o que ele faz de melhor.

Deixaremos Walter Liedtke defender a sutil grandeza de sua configuração em seu Vermeer: ​​The Complete Paintings : “Para um pintor que se destacou na observação da luz, dificilmente haveria um veículo mais adequado do que um assunto como este, com suas comparações de pele, seda e pérolas, lábios úmidos (sua cor realçada pelo chapéu), tecidos macios e suaves, todas as superfícies brilhantes colocadas contra os tons mais opacos e a textura mais áspera da tapeçaria, que, além de suas cores complementares, fornece formas simpáticas, como as linhas curvas descendo do rosto para a mão, o fechamento em forma de cortina do canto superior esquerdo e a borda emoldurando o lado direito da imagem. Da mesma forma, os remates em forma de cabeça de leão, além de exibir o talento do artista para descrever efeitos de luz, são colocados com um olho em seu efeito na figura, que recebe uma zona de espaço e uma estabilidade que não teria de outra forma.”

Em outras palavras, Garota com chapéu vermelho dá a você tudo o que você ama em Moça com Brinco de Pérola — a sensação de mistério indefinível, os tecidos maravilhosamente observados, a qualidade fotográfica tonta — e então lhe dá muito mais. Para o nosso dinheiro, isso o torna uma das maiores realizações de Vermeer.

2. A Arte da Pintura (1666)

Johannes Vermeer
Johannes Vermeer, A Arte da Pintura (1666–67). Coleção do Kunsthistorisches Museum em Viena.

A Arte da Pintura e está, de fato, no topo de qualquer lista que celebra a arte da pintura.

Acontece que a obra é uma de suas maiores obras (aproximadamente 40 por 47 polegadas), mas também é sua mais intelectualmente ambiciosa — a pintura onde Vermeer desdobra completamente a inteligência por trás de todas as suas outras obras. A cena retratada é incrivelmente meta: uma mulher que personifica a musa da história, Clio, modela para um artista em seu cavalete, que está apenas começando a pintá-la.

Como argumenta Eric Jan Sluijter, a Arte da Pintura de Vermeer foi criada especificamente para mostrar a superioridade de seu próprio meio sobre outras formas de arte:

“Vermeer parece indicar que as outras artes pictóricas… são inadequadas em sua imitação da natureza — tais produtos sempre parecerão um pedaço de pedra ou argila trabalhada, um pedaço de papel com linhas ou um tecido — enquanto a pintura pode até imitar essas obras de arte, enquanto o inverso é impossível de se conseguir. Somente a pintura pode criar a ilusão de um espaço perfeitamente convincente cheio de luz, de todos esses diferentes tipos de materiais, substâncias e tecidos, e da figura humana em sua forma mais bela e transitória, a de uma jovem mulher.”

A Arte da Pintura coloca tudo na mesa. Ela literalmente abre a cortina do estúdio do artista. É um dos maiores atos de equilíbrio artístico de todos os tempos, coordenando perfeitamente um senso de artifício com um senso de naturalismo.

1. Vista de Delft (1660–63)

Johannes Vermeer
Johannes Vermeer, Vista de Delft (1660-61). Coleção do Mauritshuis, Haia.

A Arte da Pintura pode ser sobre a supremacia da pintura, onde todas as partes intrincadas da arte de Vermeer se juntam como uma alegoria potente. Mas Vista de Delft é onde, no nível mais elementar, o artista simplesmente demonstra essa supremacia, desnudando toda essa complexidade até seus fundamentos.

    A imagem tem uma qualidade quase ingênua. Muito foi feito sobre o uso inegável do artista de seu auxílio óptico favorito — uma câmera escura — para renderizar o horizonte de sua cidade natal com precisão. No entanto, o que é mais pungente sobre essa vista são suas idiossincrasias: o artista parece ter deslocado os edifícios ligeiramente, mais notavelmente na longa seção do Portão de Roterdã, para fazer a cidade parecer menos apertada, mais acolhedora.

    Em um nível puramente pictórico, em uma obra conhecida por dramas íntimos de luz interna, esta pintura se destaca. Em Em Busca do Tempo Perdido , de Marcel Proust , o narrador descreve a pintura como “mais impressionante, mais diferente de tudo o mais que ele conhecia”. O resultado é, sem dúvida, a paisagem urbana mais memorável da arte europeia e, para nós, a melhor de Vermeer.

    Com informações de Artnet News

    Leia também: A pintura de gênero holandesa (séc. XVII) – Barroco

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