Arte no Mundo

Yayoi Kusama, a sua criação artística e a esquizofrenia

Saiba como a artista representou a principal característica do seu diagnóstico psicológico na arte.

Por Paula - junho 10, 2020
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Yayoi Kusama, nascida em 22 de março de 1929, em Matsumoto, Japão, é uma artista japonesa contemporânea, conhecida por seu uso excessivo de bolinhas e pelo seu grande número de instalações artísticas. Ela empregou pintura, escultura, arte performática e instalações em uma variedade de estilos, incluindo a pop art e o minimalismo.

Quando era criança, Kusama começou a enxergar “pontos”, devido aos problemas psicológicos que sofria. Ela decidiu retratá-los através de desenhos. Mais tarde, eles se tornaram parte do tema principal abordado ao longo de sua carreira, assim como as demais alucinações.

Durante um curto período, Yayio estudou artes na Escola de Artes da Cidade de Kyōto (1948-1948), e logo após se mudou para os Estados Unidos, Nova York, com a pretensão de se tornar artista. Antes de deixar o Japão, ela destruiu quase todas as primeiras pinturas que tinha feito.

Seus primeiros trabalhos na cidade de Nova York incluíram o que ela chamou de pinturas de “rede infinita”. Elas consistiam em milhares de pequenas marcas repetidas obsessivamente em telas grandes, sem levar em conta as bordas da tela, como se continuassem no infinito.

YAYOI KUSAMA em seu estúdio em Nova York, c.1958–59 / Imagem cortesia: Ota Fine Arts, Tóquio / © Yayoi Kusama, Yayoi Kusama Studio Inc.
Yayoi Kusama em seu estúdio em Nova York, com quadros da série Infinity Net – c.1958-59 | Ota Fine Arts, Tóquio / © Yayoi Kusama, Yayoi Kusama Studio Inc.

Tais obras exploravam os limites físicos e psicológicos da pintura, com a repetição interminável das marcas, criando uma sensação quase hipnótica para o espectador e o artista.

Suas pinturas daquele período antecipavam o movimento minimalista que estava em desenvolvimento, mas seu trabalho logo mudou para a pop art e a performance. Ela se tornou uma figura central na vanguarda de Nova York, e seu trabalho foi exibido ao lado de artistas como Donald Judd, Claes Oldenburg e Andy Warhol.

A repetição obsessiva continuou a ser um tema na arte de escultura e instalação de Kusama, que ela começou a exibir no início dos anos 1960. O tema da ansiedade sexual fez parte de grande parte desse trabalho, no qual Kusama cobriu uma superfície de objetos, como uma poltrona no Acúmulo No. 1 (1962), com pequenas esculturas fálicas macias, construídas com tecido branco.

Accumulation No 1 by Yayoi Kusama, 1962
Yayoi Kusama | Accumulation No 1, 1962

As instalações da época incluíam o Infinity Mirror Room – Phalli’s Field (1965), uma sala espelhada cujos pisos eram cobertos com centenas de falos empalhados que haviam sido pintados com pontos vermelhos. Os espelhos lhe deram a oportunidade de criar planos infinitos em suas instalações, e ela continuaria a usá-los em peças posteriores.

Com influência de acontecimentos sociais da época, a arte performática de Kusama explorou idéias anti-guerra, antiestabelecimento e de amor livre. Esses acontecimentos freqüentemente envolviam nudez pública, com a intenção declarada de desmontar fronteiras de identidade, sexualidade e corpo.

Em Grand Orgy to Awaken the Dead (1969), Kusama pintou pontos nos corpos nus dos participantes em uma performance não autorizada na fonte do jardim de esculturas do Museu de Arte Moderna de Nova York. Os críticos a acusaram de autopromoção intensa, e seu trabalho era coberto regularmente pela imprensa; Grand Orgy apareceu na primeira página do New York Daily News.

Yayoi Kusama
“Nus. Mas isso é arte?” no New York Daily News, 25 de agosto de 1969, referente a performance Grand Orgy to Awaken the Dead de Yayoi Kusama

Kusama voltou para o Japão em 1973. Desde 1977, por sua própria escolha, ela viveu em um hospital psiquiátrico. Ela continuou produzindo arte durante esse período e também começou a escrever poesia e ficção surreais, incluindo The Hustlers Grotto de Christopher Street (1984) e Between Heaven and Earth (1988).

A artista retornou ao mundo da arte internacional em 1989 com exposições na cidade de Nova York e Oxford, Inglaterra. Em 1993, ela representou o Japão na Bienal de Veneza com trabalhos que incluíam Mirror Room (Pumpkin), uma instalação na qual ela preenchia uma sala espelhada com esculturas de abóbora cobertas por seus pontos de assinatura.

Biennale di Veneza
Yayoi Kasuma – Mirror Room (Pumpkin), 1991 | 45ª Bienal de Veneza, Itália – Junho de 1993 | Pavilhão Japonês | Foto de Heimo Aga

Entre 1998 e 1999, uma grande retrospectiva de suas obras foi exibida no Museu de Arte do Condado de Los Angeles, no Museu de Arte Moderna de Nova York, no Walker Art Center em Minneapolis, Minnesota, e no Museu de Arte Contemporânea de Tóquio.

Em 2006, ela recebeu o prêmio Praemium Imperiale da Japan Art Association por pintura. Seu trabalho foi objeto de uma grande retrospectiva no Whitney Museum of American Art, em Nova York, em 2012, e uma exposição itinerante atraiu multidões recorde no Hirshhorn Museum e Sculpture Garden, em Washington, DC, em 2017.

Naquele ano, ela abriu um museu dedicado ao seu trabalho em Tóquio, perto de seu estúdio e do hospital psiquiátrico onde ela mora.


Análise das obras de Yayoi Kusama

The Woman – 1953

The Woman (1953)
Yayoi Kusama| The Woman, 1953

Quando Kusama se mudou para os Estados Unidos, os primeiros trabalhos que ela exibiu foram suas aquarelas. Esses primeiros trabalhos em papel mostraram a artista se libertando das práticas artísticas tradicionais japonesas que ela aprendeu quando criança e abraçando influências artísticas ocidentais, especialmente no que diz respeito à abstração.

A Mulher é um desses trabalhos abstratos anteriores. A aquarela descreve uma forma biomórfica singular com pontos sutis no centro flutuando em um abismo aparentemente preto. A forma é uma reminiscência da genitália feminina com pontas vermelhas ao seu redor. O efeito geral do trabalho é agressivo e bizarro, mostrando sinais das lutas de Kusama com doenças mentais e ansiedades com relação ao sexo.

Desde muito jovem, Kusama experimentou alucinações nas quais um único padrão envolveria tudo em seu campo de visão. Como explica Kusama:


“um dia eu estava olhando para os padrões de flores vermelhas da toalha de mesa em uma mesa e, quando olhei para cima, vi o mesmo padrão cobrindo o teto, as janelas e as paredes e, finalmente, por toda a sala, corpo e universo. Senti como se tivesse começado a me auto-destruir, a girar na infinidade do tempo sem fim e na absoluta capacidade do espaço, até ser reduzida ao nada “.


Esses temas de auto-destruição e representação do infinito se tornariam uma obsessão para Kusama, enquanto tentava representar o que acreditava ser sua realidade alternativa. Seu uso de pontos se tornou a manifestação desse esforço e se tornou o marca principal em seu trabalho.


I’m Here, But Nothing – 2000

I'm Here, But Nothing, 2000
I'm Here, But Nothing, 2000

Depois de usar pessoas como telas para suas pinturas, a artista passa a transformar a percepção por meio de ambientes imersivos, como em I’m Here, But Nothing [ Estiou aqui, mas nada]. Nesta instalação Kusama cria uma sala doméstica comum, mas iluminada por luz negra e salpicada por pontos brilhantes coloridos.

Ao entrarmos, como parte do título indica (Estou aqui), a artista ou alguém parece estar prestes a entrar pela porta. Paradoxalmente, percebe-se a ausência (Mas nada) e a noção da proximidade que o conceito de cheio pode ter do vazio.


Obliteration Room – 2002

Yayoi Kasuma | Obliteration Room, 2002

Sala de Obliteração começa como uma tela em branco. Configuradas para se parecer com o interior de um ambiente doméstico, as paredes, teto, piso, móveis e pequenas bugigangas são pintadas de branco estéril.

Os visitantes da sala recebem uma folha de adesivos redondos de várias formas e tamanhos, determinados por Kusama, e convidados a fixá-los em qualquer superfície da sala. Eventualmente, a sala intocada, juntamente com os móveis, é destruída por uma explosão de pontos coloridos.

Como explica Munroe, “a arte de Kusama é fundamentalmente sobre obsessão e a necessidade, nascida da ansiedade, de repetir certos atos na tentativa de se libertar dessa obsessão. Desde a infância, sua arte é um ritual privado e atávico, necessário indução à repetição que leva à catarse “.

Em resposta ao trauma que Kusama experimentou quando criança, a primeira iteração da sala foi criada especificamente para crianças e para ser uma idealização da infância. No espaço, as crianças são incentivadas a violar a política de “olhe, mas não toque” dos museus de arte, o que para Kusama representa as restrições dos pais.

O ato de colocar os adesivos em uma obra de arte permite que as crianças desobedecem indiretamente aos pais. A instalação interativa foi a primeira vez que o Kusama deixou de criar um ambiente passivo para criar um ambiente em que sua realização exigia a participação dos visitantes.


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