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A solidão em 10 pinturas mais famosas de Edward Hopper

Por Paulo Varella - junho 7, 2019
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Edward Hopper (1882-1967) foi um pintor, artista gráfico e ilustrador norte-americano conhecido por suas misteriosas pinturas de representações realistas da solidão na contemporaneidade. 

Ele é amplamente reconhecido como o mais importante pintor realista da América do século XX. Mas sua visão da realidade era seletiva, refletindo seu próprio temperamento nas paisagens urbanas vazias e figuras isoladas que ele escolheu pintar. Seu trabalho demonstra que o realismo não é meramente uma cópia literal ou fotográfica do que vemos, mas uma interpretação.

Edward Hopper nasceu em 1882, em Nova York, em uma família de classe média. Entre 1900 a 1906 ele estudou na NY School of Art. Ao terminar seus estudos, ele trabalhou como ilustrador por um curto período de tempo. Após este período, ele fez três viagens internacionais, que tiveram uma grande influência no futuro de seu trabalho e no tipo de arte que ele iria se engajar durante o curso de sua carreira.

Veja abaixo 10 pinturas comentadas e a visão da solidão que ela nos passa.

nighthawks
nighthawks

Nighthawks é uma pintura de 1942 de Edward Hopper que retrata pessoas sentadas em um restaurante no centro da cidade à noite. É o trabalho mais famoso de Hopper e é uma das pinturas mais reconhecidas na arte americana. Em poucos meses após sua conclusão, foi vendida para o Art Institute of Chicago por US $ 3.000 e está lá desde então.

automat
Automat

A Automat foi exibida pela primeira vez no Dia dos Namorados de 1927 na abertura da segunda exposição individual de Hopper, na Rehn Galleries em Nova York. Em abril, havia sido vendido por US $ 1.200. A pintura é hoje propriedade do Des Moines Art Center, em Iowa.

A pintura retrata uma mulher solitária olhando para uma xícara de café em um Automat à noite. O reflexo de linhas idênticas de luminárias se estende através da janela escurecida pela noite.

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Josephine Verstille Nivison “Jo” Hopper foi uma pintora americana que estudou com Robert Henri e Kenneth Hayes Miller e ganhou a bolsa Huntington Hartford Foundation em 1957. Ela era a esposa de Edward Hopper, com quem se casou em 1924.

A esposa de Hopper, Jo, serviu de modelo para a mulher. No entanto, Hopper alterou o rosto para torná-la mais jovem (Jo tinha 44 anos em 1927).

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New York movie

Uma sala de cinema em Nova York, um daqueles elaborados palácios de mentira onde Hollywood nos ilude por algumas horas em outro mundo – neste caso, aparentemente, as altas montanhas. Isto não acontece com a lanterninha que ,provavelmente, já viu o filme mil vezes e aguarda pelo final, remoendo seus próprios pensamentos. Sua figura estacionária contrapõe a tela com suas ilusões incessantemente oscilantes de lugares que não estão aqui.

Como a maioria das figuras femininas nas pinturas de Hopper, esta se baseou em sua esposa, Jo, que posou de pé embaixo de uma lâmpada no corredor de seu apartamento.

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people in the sun

People in the sun mostra os hóspedes do hotel que foram atraidos para o pátio para aproveitar o sol. Eles parecem não perceber a paisagem ao seu redor. Aparentemente, eles não se sentem aquecidos, pois nenhum deles tirou uma jaqueta ou suéter. Talvez eles estejam congelando. Querendo se entregar ao sol, eles inadvertidamente se colocaram à sua mercê. E o sol revela tudo – sua inadequação, a superficialidade de suas vidas emocionais e mentais. Evidentemente, eles esperavam impressionar um ao outro com seus trajes elegantes, mas agora ninguém parece notar ou se importar. Apenas um homem enfatiza sua diferença em relação ao resto. Ele sentou-se um pouco atrás, como se estivesse à margem dos outros, para se concentrar em seu livro. Mas a luz fria do sol também o prende.

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Early sunday morning

Early sunday morning é uma pintura que pode ser tomada como uma cena tranquila e pacífica de pequenos negócios fechados ou considerados um comentário sobre a Depressão. Hopper apontou em uma conversa que a palavra Sunday não fazia parte do título original. “Eu também gosto do Domingo de Manhã cedo – mas não era necessariamente domingo. Essa palavra foi pregada por outra pessoa.”

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Chop Suey

Edward Hopper, talvez mais do que qualquer outro artista, captou a sensação de solidão e isolamento que só pode ser experimentada no meio de uma multidão na cidade moderna. Suas pinturas, cuidadosamente construídas e compostas para dar a impressão de um olhar momentâneo – um olhar voyeurista para o espaço privado e as emoções de um estranho anônimo – constituem um registro único da sociedade em mudança da América do Norte moderna. Chop Suey se concentra em duas mulheres sentadas em uma mesa de restaurante. Apesar de estarem juntas, cada mulher parece sozinha, perdida em seus próprios pensamentos em um mundo de silêncio, enquanto o casal ao fundo parece semelhantemente incomunicativo. O alto ângulo de visão e o corte do sinal de ‘Chop Suey’, visto pela janela, e o cliente do sexo feminino à esquerda, todos adicionam uma sensação de estranheza e alienação à cena. No entanto, apesar de todo o seu detalhe especificamente americano, o trabalho de Hopper foi altamente influenciado pela pintura francesa do século XIX. Aqui, Hopper refere-se explicitamente às cenas de café de ambos Van Gogh e Manet, ao mesmo tempo atualizando e realocando-os na América moderna.

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Rooms by the sea

Hopper começou a pintar os efeitos da luz solar desde jovem e esse interesse continuou ao longo de sua carreira. Como um artista já completo, ele viveu e trabalhou em Nova York e passou a maior parte de seus verões em Cape Cod, Massachusetts. Ele projetou e construiu um estúdio ensolarado e isolado em Truro no penhasco com vista para o oceano. Esta pintura é baseada na vista da porta dos fundos do estúdio. Intitulado em seu livro de registro “Quartos à beira-mar ou, o lugar para saltar”, Hopper notou que o segundo título era visto por alguns como tendo “tons malignos” e, assim, o apagou. Enquanto a vista do estúdio sugere a composição de Rooms by the Sea, a imagem é mais uma metáfora evocativa de silêncio e solidão do que a transcrição de uma cena real.

gas de Edward Hopper
Gas

A rodovia aparentemente termina aqui, desaparecendo na floresta – não é um local promissor para um posto de gasolina. O último carro parece ter passado há muito tempo; o atendente está desligando a bomba e logo apagará as luzes e fechará o posto.

A pintura de Hopper representa uma situação limítrofe. Está situado na fronteira entre o dia e a noite, entre a civilização e a natureza. O posto de gasolina tem a aparência de um último posto avançado, onde o reino humano cede, através da estrada, ao reino anônimo da natureza. A borda da floresta se ergue como uma parede escura na qual nenhuma árvore individual pode ser discernida. Mas nosso olho retorna de novo e de novo ao seu tom quente. A luz fluorescente branca, quase pura e brilhante no posto de gasolina, em contraste, é quase dolorosa de se olhar e o olho se desloca para a faixa da estrada que sai da imagem à direita.

Summer evening
Summer evening

Que distinção Hopper fazia entre trabalho e lazer? Comparando Office at Night com Summer Evening, parece que ele fazia pouca distinção. A relação entre as duas pessoas no escritório, implícita mas bastante óbvia para o espectador, corresponde à relação explícita do casal na varanda iluminada. As brechas nas cortinas e a janela aberta estabelecem uma ligação visual com a pose e os trajes da mulher, que, mais uma vez, simultaneamente escondem e revelam. E a iluminação, finalmente, transforma o que é realmente uma cena íntima em uma cena pública.

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House by the railroad

Hopper freqüentemente usava um motivo horizontal e reto, geralmente uma estrada ou ferrovia. Construir o espaço dentro da imagem e enfatizar a divisão entre o espaço da imagem e o mundo do espectador. De fato, quanto mais o espectador tenta penetrar nas profundezas de uma pintura de Hopper, mais impenetrável ela se torna. O que sustenta o espectador é que a visão do artista parece estar sob controle e, no entanto, em uma inspeção mais próxima, o espectador percebe que a superfície visível é um tecido de improbabilidades e mudanças ilegíveis no espaço. A visão de Hopper de que a natureza e o mundo contemporâneo eram incoerentes contribuiu para sua visão artística.

A luz do sol iluminando House by the Railroad é brilhante o suficiente para projetar sombras profundas na imponente mansão vitoriana, mas não para afugentar um ar de tristeza. A pintura expressa o tema central de Edward Hopper: a alienação da vida moderna. Em vez de retratos felizes e anedóticos celebrando a energia e a prosperidade dos loucos anos 20, Hopper retratou a vida moderna com cenas não sentimentais de isolamento físico ou psicológico. A maioria está localizada na cidade, onde as pessoas geralmente parecem desconfortáveis ​​e fora do lugar. Outras obras, como esta, retratam edifícios solitários em paisagens comuns. Hopper’s House by the Railroad é um símbolo da perda que é sentida quando o progresso moderno deixa uma sociedade agrária para trás.

Veja esta entrevista imperdível com Edward Hopper sobre o seu processo criativo

Como você vê as obras de Edward Hopper? Você acha que elas mostram a solidão da sociedade moderna?

fonte: Edwardhopper.net

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