Instalação

O que é instalação? Saiba tudo aqui

Saiba o que é uma instalação e conheça exemplos das instalações mais famosas do mundo.

Por Equipe Editorial - junho 20, 2019
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Arte de instalação é um termo geralmente usado para descrever obras de arte tridimensionais localizadas em espaços interiores, pois a palavra “instalar” significa colocar algo dentro de outra coisa.

É uma obra projetada para ter um relacionamento específico, temporário ou permanente, com seu ambiente espacial em um nível arquitetônico, conceitual ou social. Ela também cria um alto nível de intimidade entre si e o espectador, pois não existe como um objeto precioso a ser olhado meramente, mas como uma presença dentro do contexto geral de seu contêiner, seja um prédio, um museu ou uma sala designada.

Coralarium por Jason deCaires Taylor. O escultor britânico Jason DeCaires Taylor põe em prática para defender o ambientalismo. De tempos em tempos, ele impressiona o mundo com seu Earthworks aquático, de figuras de cimento solitário a um museu subaquático inteiro. Em 2018, Taylor acrescentou uma nova peça à sua ambiciosa obra: Coralarium, uma galeria de esculturas submersa.

Obras de arte destinam-se a evocar um humor ou um sentimento e, como tal, pedir um compromisso do espectador. O movimento permanece separado de suas formas similares, como a arte da terra, a arte da intervenção e a arte pública. No entanto, muitas vezes há sobreposições entre elas. As ideias por trás de uma instalação e as respostas que ela suscita tendem a ser mais importantes do que a qualidade de seu meio ou mérito técnico.

Os artistas defendem esse gênero por seu potencial de transformar o mundo da arte por meio de audiências surpreendentes e engajando os espectadores de novas maneiras.


Ideias principais

1 – A mudança de foco

A instalação defende uma mudança de foco do que a arte representa visualmente para o que ela comunica. Os artistas de instalação são menos focados em apresentar um objeto esteticamente agradável aos espectadores, pois eles estão envolvendo aquele espectador em um ambiente ou conjunto de sistemas de sua própria criação. Ajustar a percepção subjetiva do espectador é o resultado desejado pelo autor. Peças pertencentes a esse movimento ressoam com nossas próprias experiências humanas.

2 – Criar um conceito menos isolado

Os artistas de instalação estão preocupados em tornar a arte um conceito menos isolado, instalando o trabalho fora das galerias e museus e usando componentes mais utilitários, como objetos encontrados, itens industriais e cotidianos ou materiais comuns. Esse movimento ampliou o escopo do que se qualifica como obra de arte.

Skyscraper (the Bruges Whale) por StudioKCA.
Para a Trienal de Bruges de 2018, o StudioKCA e o Hawaii Wildlife Fund colaboraram para criar o Skyscraper (a Baleia de Bruges), uma instalação de 12 metros. Com o objetivo de “mostrar o alcance e a escala do problema” com resíduos de plástico, a peça monumental foi criada a partir de 5 toneladas de lixo retiradas dos oceanos Pacífico e Atlântico. O StudioKCA optou por chamar a instalação de arranha-céu como um aceno ao tamanho da baleia. Com 4 andares de altura, ergue-se sobre os edifícios medievais que se alinham no Canal de Bruges, tornando-se um símbolo perfeito para o tamanho do problema.

3 – Questiona a objetificação da obra

Como a arte de instalação é especialmente difícil de colecionar e vender, esse movimento força contra a “objetificação” da arte, desafiando os mecanismos tradicionais usados ​​para determinar o valor desta.

As tentativas de vender instalações levantaram questões sobre o processo de desmontagem e reinstalação do trabalho que foi concebido para um determinado local e como isso pode ou não diminuir o significado e o valor original. Também provoca o diálogo dentro das comunidades, de arte e arquivamento, sobre se uma peça temporária pode ou não ser reconstruída e vendida na forma de seu original, ou se uma peça não permanente pode ser recriada “ad infinitum” para perpetuar sua existência.


Instalações importantes e seus artistas

As obras de arte abaixo são as mais importantes em Arte de Instalação. Elas visam as principais ideias do movimento e destacam as maiores conquistas de cada artista do ramo. Não se esqueça de visitar as páginas de visão geral dos artistas que lhe interessam.

Étant Donnés (1966)
Artista: Marcel Duchamp

Descrição e análise das obras: Étant donnés foi um dos primeiros trabalhos a criar um ambiente de visualização específico e controlado para o público, que hoje continua sendo um princípio central da arte da instalação. Duchamp surpreendeu o mundo da arte com este quadro tridimensional, já que a maioria acreditava que ele havia decididamente se retirado da produção de arte quase um quarto de século antes de sua obra final ser revelada.

tant donnÈs
Marcel Duchamp (1966) …tant donnÈs: 1. La chute d’eau, 2. Le

A peça foi descrita pelo artista Jasper Johns como “a mais estranha obra de arte já vista em qualquer museu”. Pelo menos até aquela época, foi.

Imagine espreitar através de dois orifícios em uma porta de madeira para encontrar uma mulher nua na frente de uma paisagem pintada. Ao elaborar uma experiência de voyeurismo, em vez de simplesmente mostrar uma pintura tradicional de nudez na parede, Duchamp forçou o espectador a um senso de cumplicidade. Somente uma pessoa de cada vez poderia espreitar, tornando esta uma experiência muito envolvente e criando um encontro íntimo com o enigmático habitante da obra.

Énant donnés é a última grande obra de arte de Marcel Duchamp, que havia surpreendido o mundo da arte por ter desistido da carreira para jogaro xadrez profissionalmente (ele jogou por quase 25 anos, após uma prolífica carreira artística).

Este trabalho é um tableau (cena escandalosa), visível apenas através de um par de olhos mágicos (um para cada olho) em uma porta de madeira com uma mulher nua deitada de costas com o rosto escondido, as pernas abertas, segurando uma lâmpada à gás no ar em uma mão contra um cenário de paisagem.

Duchamp trabalhou secretamente na peça de 1946 a 1966 em seu estúdio em Greenwich Village.

duchamp e maria martins
Marcel Duchamp e a sua namorada brasileira Maria de Lourdes Alves

O trabalho é composto de uma velha porta de madeira, pregos, tijolos, latão, folha de alumínio, grampos de aço, veludo, folhas, galhos, uma figura de mulher feita de papel pergaminho, cabelo, vidro, prendedores de roupa, tinta a óleo, linóleo, uma variedade de luzes, uma paisagem composta de elementos pintados à mão e fotografados e um motor elétrico alojado em uma lata de biscoito que gira um disco perfurado.

Maria Martins
Maria de Lourdes Alves Martins foi uma escultora, desenhista, gravurista, pintora, escritora e musicista brasileira

A escultora brasileira Maria Martins, namorada de Duchamp de 1946 a 1951, serviu de modelo para a figura feminina na peça, e sua segunda esposa, Alexina (Teeny), serviu de modelo para o braço da figura. Duchamp preparou um “Manual de Instruções” explicando e ilustrando como montar e desmontar a peça. A obra faz parte do Museu de Arte da Filadélfia

Veja aqui uma importante entrevista com Marcel Duchamp


Dinner Party (1974-1979)
Artista: Judy Chicago

The Dinner Party é uma obra de instalação da artista feminista Judy Chicago. Ela é considerada a primeira obra de arte feminista épica, funciona como uma história simbólica das mulheres na civilização. Existem 39 elaborados locais dispostos ao longo de uma mesa triangular para 39 mulheres famosas míticas e históricas. Sacajawea, Sojourner Truth, Eleanor da Aquitânia, Imperatriz Teodora de Bizâncio, Virginia Woolf, Susan B. Anthony e Georgia O’Keeffe estão entre os convidados simbólicos.

Judy Chicago
foto: Collier Schorr. produção: Suzanne Koller (NYT mag)

Cada local exclusivo inclui um prato de porcelana pintada à mão, talheres e cálice de cerâmica e um guardanapo com uma borda dourada bordada. Cada placa, exceto as que correspondem a Sojourner Truth e Ethel Smyth, retrata uma forma de vulva brilhantemente colorida e de estilo elaborado. As configurações repousam sobre corredores elaboradamente bordados, executados em uma variedade de estilos e técnicas de bordado. A mesa de jantar fica no The Heritage Floor, composto por mais de 2.000 azulejos em forma triangular de brilho branco, cada um inscrito em roteiros de ouro com o nome de uma das 998 mulheres e um homem que fez uma marca na história. (O homem, Kresilas, foi incluído por engano como se pensava que fosse uma mulher chamada Cresilla.)

Foi produzido de 1974 a 1979 como uma colaboração e foi exibido pela primeira vez em 1979. Posteriormente, apesar da resistência do mundo da arte, visitou 16 locais em seis países em três continentes para uma audiência de 15 milhões de pessoas. Foi retirado para armazenamento até 1996, pois estava começando a sofrer com viagens constantes. [1] Desde 2007, está em exposição permanente no Centro de Arte Feminista Elizabeth A. Sackler, no Brooklyn Museum, em Nova York.


Wall Drawing #260,

On Black Walls, All Two-Part Combinations of White Arcs from Corners and Sides, and White Straight, Not-Straight, and Broken Lines (1975)
Artista: Sol LeWitt

Descrição e análise das obras de arte: O Wall Drawing # 260 de Sol LeWitt é uma das centenas de desenhos de parede iniciados em 1969, que o artista continuou a produzir durante toda a sua prolífica carreira. LeWitt não só criaria um desenho para um local específico, como também manteria instruções detalhadas sobre sua composição para que outros pudessem duplicá-lo em outros espaços, mesmo depois de sua morte. Mesmo que os desenhos de parede de LeWitt sejam efêmeros e infinitamente replicados, a ideia por trás de sua concepção inicial permanece intacta.

Portrait of American artist Sol LeWitt (1928 – 2007), New York, New York, August 1969. (Photo by Jack Robinson/Hulton Archive/Getty Images)

Esta linha de trabalho inaugural inaugurou uma nova relação entre os espaços de desenho e de arquitetura, promovendo a especificidade do local da arte de instalação. Ao reivindicar paredes inteiras, os desenhos de LeWitt responderam aos espaços que ocupavam e incluíam os espectadores no trabalho que alternavam entre a simetria suave e a aleatoriedade deslumbrante.

Esses desenhos também foram inclusões radicais no cânone da arte da instalação porque desafiaram a preciosidade e a permanência esperadas da arte. Elas nascem no conceitualismo e são realizadas com ferramentas simples. Eles não estão confinados à mão dos artistas originários e podem ser duplicados em múltiplas configurações ad infinitum.

Museu de Arte Moderna


My Bed (1998)
Artista: Tracey Emin

My bed
Esta imagem fornecida pela Christies para o leilão de 27 de maio de 2014 mostra o trabalho entitulado “My Bed” da artista britânica Tracey Emin. A cama desfeita de Tracy mostra camisinhas, cigarros, calcinhas recebeu um lance de £1 milhão no leilão. AFP PHOTO / “CHRISTIES”

Descrição da obra de arte e análise: My Bed, de Tracey Emin, inspirou tanto vitríolo quanto aclamado pela crítica ao longo dos anos. A instalação foi uma apresentação autobiográfica literal; o resultado de quatro dias deprimidos e acamados durante os quais Emin acumulava detritos ao redor de sua cama, como preservativos usados, roupas íntimas manchadas de sangue e garrafas vazias. A peça, que o artista produziu após um colapso traumático da relação, foi rotulada de auto-absorvida e delirante por alguns, seminal e inspirada por outros.

Tracy Emin
Tracy Emin

A única coisa que críticos e entusiastas podem concordar é que My Bed mudou para sempre o curso da arte da Instalação com seu realismo flagrante. Tomando sua cama real e exibindo-a como arte, Emin promoveu o desenvolvimento da preocupação do movimento em trazer uma experiência mais íntima para o espectador. O retrato visualmente narrativo da vida de Emin na época e sua natureza sincera criaram uma atmosfera envolvente que eloquentemente evocou experiências genuínas. Os membros da platéia podem estremecer de repulsa pela cena da devassidão pessoal ou se deixar culpados com o conhecimento de que todos nós guardamos nossa própria roupa suja. Essa peça também se distanciou resolutamente da arte representacional, pois ela se revelou em sua mundanidade e recusou-se a representar quaisquer preocupações mais elevadas.

A obra faz parte da Coleção Duerckheim


The London Mastaba, Christo

Christo em sua escultura flutuante feita de 7.506 barris (na London Serpentine)
Christo em sua escultura flutuante feita de 7.506 barris (na London Serpentine)

Christo completou The London Mastaba, uma escultura de 20 metros de altura que flutua no lago Serpentine, em Londres, que representa a determinação de sua esposa e falecida Jeanne-Claude em tornar a arte livre.

Photo by HAYOUNG JEON/EPA-EFE/REX/Shutterstock Bulgarian artist Christo poses on the red carpet for the movie premiere “Christo Walking on Water” in Berlin, Germany, 26 March 2019. Christo Walking on Water premiere in Berlin, Germany – 26 Mar 2019

Com base nas formas trapezoidais de mastaba, uma palavra árabe para bancada dada a túmulos egípcios e assentos encontrados fora de casas na antiga Mesopotâmia, a escultura temporária é a realização do sonho compartilhado da dupla artística de criar uma versão flutuante de uma forma que os fascina. por meio século.

Mastaba
Uma mastaba ou “pr-djt” é uma forma de túmulo egípcio antigo, em que eram sepultados faraós ou nobres importantes do Egito antigo. Tinham a forma de um tronco de pirâmide, cujo comprimento era aproximadamente quatro vezes a sua largura

O London Mastaba, que é feito de 7.506 barris pintados presos a andaimes e ancorados no lago, foram totalmente auto-financiado e puderam ser visto por todos. Esta não é a mais significativa obra de Christo, mas uma das mais recentes e foi feita em homenagem a Jeanne-Claude morta em 2009.

Christo and Jeanne-Claude representam os maiores ícones do Land Art e instalações de arte. Que vale um capítulo somente para ele.


Dismemberment, Site 1
Anish Kapoor

escultura gigante na fazenda Gibbs, Nova Zelandia
Escultura na fazenda Gibbs, Kaipara Harbour, Nova Zelandia.

Composta por uma vasta membrana de PVC esticada entre as duas elipses gigantes de aço, o trabalho de Kapoor é arquitetônico e, no entanto, também tem uma qualidade carnosa, que o artista descreve como “mais ou menos como uma pele esfolada”. A membrana vermelha escura que este trabalho compartilha com duas obras temporárias anteriores encomendadas para o Centro BALTIC de Arte Contemporânea e o Turbine Hall da Tate Modern (refere-se a Joana d’Arc). Kapoor comentou: “Eu quero transformar o corpo em céu”. Na fazenda ele consegue isso. Aqui, o artista teve que inventar uma forma que fosse autônoma e capaz de sobreviver a uma luta constante com o céu e as condições meteorológicas impiedosas.

Anish Kapoor
Nascido em Bombaim em 1954, Kapoor cursou na prestígiada Doon School, em Dehra Dum, em seu país natal. Mudou-se para a Inglaterra em 1972, onde continuou seus estudos, desta vez no Hornsey College of Art e na Chelsea School of Design. Começou a ganhar notoriedade internacional no início dos anos 80, quando foi considerado um dos escultores britânicos que vinham explorando novos estilos de arte. Photo: PA Images

Artistas brasileiros

Ernesto Neto, GaiaMotherTree

Gaia Mother Tree de Ernesto Neto
Gaia Mother Tree de Ernesto Neto

Com suas instalações em grande escala, o artista conceitual Ernesto Neto “explora as construções do espaço social e do mundo natural convidando a interação física e a experiência sensorial.” Em 2018, ele colaborou com a Fondation Beyeler para criar o GaiaMotherTree, uma estrutura de crochê que se enraizou em Zurique na estação central.

Ernesto_Neto
Ernesto Saboia de Albuquerque Neto (Rio de Janeiro, 1964) é um artista plástico brasileiro.

Este trabalho imersivo convida os membros do público a entrarem em seu velame e escaparem da agitação da estação. Uma vez lá dentro, eles podem observar a peça de uma nova perspectiva e experimentar outra camada interativa da instalação: o cheiro.

Os “ramos” da árvore são pesados com sacos de especiarias. À medida que os fragrantes aromas de cúrcuma, cravo, cominho e pimenta-preta flutuam no ar, os espectadores são convidados – e lembrados – a respirar fundo. “A ideia é desacelerar nosso tempo, para termos tempo para respirar e sentir a vida dentro de nós”, diz o artista. “Este trabalho é sobre intimidade.”


Henrique Oliveira

Devir, 2017
Devir | 2017 | madeira compensada, galhos, cascas de árvore e outros materiais | 2,60 x 6,05 x 5,30 m | foto- Ali Elai

As árvores são cortadas e transformam-se em lâminas de madeira, que são montadas em tapumes, usadas em obras e descartadas. O artista brasileiro Henrique Oliveira decidiu completar o ciclo e dar a chance desses pedaços de madeira voltarem a ser árvore – ou quase isso.

Henrique Oliveira
Henrique Oliveira trabalhando em sua instalação para a Bienal de São Paulo.
foto: Paulo Varella

A instalação Transarquitetônica, construída em uma das salas do Museu de Arte Contemporânea, em São Paulo, é mais que uma estrutura no formato de raízes e galhos, mas, como o próprio artista diz, uma experiência de cheiro, de textura e de forma.

Transarquitetônica de Henrique Oliveira. foto: Sergio Miranda

Transarquitetônica consiste em túneis revestidos com a madeira de tapumes abandonados por onde visitantes podem andar e explorar o espaço. Vista de cima, a instalação traz a tortuosidade das raízes e troncos. Mais do que uma peça de arte, uma experiência imersiva e curiosa por cavernas de tapume.

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